Arte,Ciudad y países,Decoración y arquitectura,Gentes,Historia africana,The African World

BEREBERES

24 Mar , 2020  

Protagonistas desconocidos y silenciados por fuentes oficiales, los bereberes (o Imazighen, como prefieren ser conocidos) son el grupo de pueblos que desde tiempos antiguos ocuparon casi todo el norte de África, desde el oasis de Siwa (al oeste de Egipto) hasta el Océano Atlántico, incluyendo Canarias, y desde el Mediterráneo hasta la frontera sur del Sahara.

 

A lo largo de la historia han pasado por muchos otros nombres (Mauri, Libu, Numidians, Gaetuli, Garamantes...) reflejando su pluralidad interna, geográfica y cultural.

 

Los Imazighen han sido testigos de numerosas migraciones, colonizaciones e invasiones. Todos han enriquecido su identidad, al tiempo que han reducido su población a través de políticas asimiladoras.

 

Sin embargo, los bereberes sobreviven. Se calcula que actualmente hay más de 35 millones de bereberes, 20 millones en Marruecos, mientras que la diáspora europea y americana representan varios millones.

 

La identidad o identidades de los Amazigh se reflejan hoy sobre todo en su idioma, Tamazight, en sus diferentes variaciones (Tarifit, Tashelhit, Tamahaq…), lo que también se refleja en su conciencia de compartir un legado común de tradiciones, celebraciones y costumbres, y finalmente en su voluntad de aceptar este legado como propio.

 

A partir de finales del siglo XI, las principales dinastías del norte de África, como la Almorávide (Lamána) y luego la Almohade (Masmuda) trataron de reunificar el Occidente islámico, reinterpretando Islam y homogeneizando y destacando la cultura y la lengua y cultura Amazigh que llego a convertirse en fuerza para la islamización. Sin embargo, la influencia de los Imazighen no terminó allí.

 

En el apogeo de la hegemonía de los reinos feudales, desde el siglo XIII, entró en juego un nuevo poder, los Merinides. Los lazos entre este emirato con sede en Fez y el del nazarí en Granada fueron sólidos, con influencias mutuas y amplios intercambios. Esto se puede observar en la Alhambra y en las principales construcciones institucionales (madrasa, maristán, puertas…) pero también en los productos cerámicos cotidianos. Incluso se ha argumentado que una Magrebización tomó lugar en Granada.

 

 

 

 

 

 

 

 

, , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Ciudad y países,Decoración y arquitectura

The Morocco Club

18 Feb , 2020  

Quizás Tánger sea de las ciudades de Marruecos en la que poder disfrutar de una gastronomía sofisticada y diferente (incluso si queremos comida típicamente marroquí).

 

Uno de esos restaurantes es Morocco Club. Un paso obligado en la visita a la Kasbah, a cuya entrada, y junto a un ficus centenario, te atrapan las celosías verdes de su hermoso edificio.

 

El restaurante retoma los clásicos de la gastronomía marroquí añadiendo un toque de innovación a las recetas tradicionales.

 

Al igual que el legendario club de jazz neoyorquino, al que acude la jet desde 1931, y del que toma su nombre, es “the place to be”. El Morocco Club de Tanger abrió sus puertas en 2012 por Vincent Coppée, quien desde entonces lo gestiona de manera admirable.

 

El Morocco Club es la reencarnación de una residencia icónica (diseñada por el famoso arquitecto estadounidense Stuart Church) que frecuentaron Mick Jagger y otros personajes de la Beat Generation en la edad de oro tangerina.

 

El lugar no obstante trasciende su propia condición de restaurante y se convierte en todo un icono en la ciudad. Se puede tomar una copa en el piano bar y encontrarse con artistas y  personalidades de Tánger y otros lugares.

 

 

 

, , , , , , , , , ,

Decoración y arquitectura,Gentes,Moda y estilo,The African World

Mesas Bamileke

21 Ene , 2020  

La más hermosa pieza de pequeño mobiliario africano. Siempre aparece en las grandes decoraciones aportando ese toque étnico único.

 

Son de madera protegidas por un barniz oscuro que les proporciona un halo misterioso y sofisticado. Sus dimensiones son ideales como mesa auxiliar e incluso también como mesa de centro (aunque los antiguos reyes bamileke las usaban como asientos).

 

Ya sea más o menos moderno el estilo decorativo, habrán de elegirse para ella espacios abiertos donde protagonicen la escena.

 

Están hechas a partir de un único bloque de madera con una talla cruzada repetitiva en toda la superficie bajo el sobre en la forma tradicional de tela de araña.

 

La etnia Bamileke, se ha dedicado al comercio y la artesanía durante siglos, disciplina está en la que han alcanzado una sorprendente maestría. Especialmente en la técnica monóxilo (esculpir a partir de una única pieza de madera). Nada de ello sin embargo la ha hecho perder sus ancestrales costumbres que defienden aun en la actualidad incluso con una forma de gobierno propia: las jefaturas fondon.

 

 

 

 

Puedes ver la selección de las mesas bamileke en The African Touch: www.theafricantouch.com

 

, , , , ,

Arte,Decoración y arquitectura,Moda y estilo

LA SILLA BUTTERFLY Y EL GRUPO AUSTRAL

10 Dic , 2019  

El Grupo Austral fue un colectivo de arquitectos fundado en Buenos Aires en 1938 como parte del Grupo de Arquitectos y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea. Ejerció una gran influencia en el panorama de la arquitectura y el diseño latinoamericanos a partir de los años 30 sobre la idea de la coexistencia del mundo de lo individual y anárquico con el funcionalismo, del avance social y la utopía del progreso.

 

El  nombre de la silla BKF 1938 también conocida como Butterfly proviene de las iniciales de Antonio Bonet, Juan Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy  fundadores del Grupo Austral.

 

Recordaba a la silla tripolina, un asiento plegable de campaña con estructura de madera cubierta de lona, patentada por un constructor inglés y utilizado desde 1877 por el ejército ingles en el norte de África.

 

Actualmente Isist Leather BCN fabrica artesanalmente el diseño original de las BKF. Por su parte Telami produce en Italia la silla Tripolina original. En ambos caso, cada ejemplar está grabado con un número único de identificación

 

, , , , , , , ,

Arte,Ciudad y países,Decoración y arquitectura

ALFOMBRAS DJERMA

19 Nov , 2019  

Los Djerma son un grupo descendientes en línea directa del imperio Shongai.

 

Viven en la curva del rio Niger. Sus hombres tejen las famosas alfombras que además usan como cubrecamas, separadores de ambiente, decoración de pared…

 

Estas alfombras se caracterizan por sus motivos en forma de diamante en rojo y negro, tejidos en una trama suplementaria sobre fondo blanco.

 

En la actualidad suelen añadirse los colores amarillo y verde, y ese colorido las hace más apreciadas aun.

 

Usan una forma de tejer llamada sudanesa. Antiguamente el algodón debía cultivarse e hilarse en el  mismo lugar donde se tejía la alfombra.

 

Aunque muy difícil, no es imposible distinguir las diferentes alfombras tejidas según la ciudad en la que se ha hecho: Niamey, Djamena, etc.

 

Las poleas y equipos de costura pueden llegar a ser tan hermosos como las propias alfombras.

 

, , , , , , ,

Ciudad y países,Decoración y arquitectura,Filosofía de viaje,Gastronomía,Gentes,Moda y estilo

MARRAKECH ES DE COLOR SAFRÁ

15 Abr , 2019  

Wow wow y wow. Esto sí que ha sido un descubrimiento!

 

Después de mil años yendo a Marrakech (y aun con unas preferencias en materia de alojamiento con encanto mas que fundadas) todavía alucino con el último descubrimiento: el Riad Color Safrá.

 

El Riad merece varios posts (sobre su cocina, sobre la decoración, sobre la hospitalidad, sobre su ubicación, etc.) pero empezaré únicamente por recomendarlo como un lugar de primera en la medina de Marrakech.

 

Suficientemente lejos del bullicio de los zocos para no sentir el jaleo, pero lo suficientemente cercano para estar en él en cinco minutos. Es de los pocos lugares de la medina accesibles con coche (a la plaza de Ben Salah).

 

En las imágenes que ilustran esta entrada podréis ver la hermosa ambientación de la casa. Una decoración típicamente marroquí pero muy chic, sin exceso ni sobrecargas. Mediterránea y relajada.

 

Y si dijese a continuación que es uno de los mejores restaurantes de Marruecos… seguro que alguien me acusaría de exagerado, pero debo confesar que por buenos que sean algunos restaurantes de Marruecos, en ninguno he encontrado una carta tan variada, modernizada y rica como aquí.

 

Todo el equipo que gestiona la casa es joven, amable, servicial y encantador, lo que suele asegurar un viaje placentero.

 

No obstante me he dejado para el final las dos mejores cosas del Riad: (2) un precio wow y (1) Gala y Ángel. Los que nos dedicamos a la empresa sabemos lo importante y difícil que es dar a estas su tono. Pues bien, los encantadores Gala y Ángel, han sabido dárselo a base de elegancia, entusiasmo, honestidad, cariño y un poco de aventura.

 

Ya estáis tardando. https://colorsafra.com/

 

 

, , , , , , , , , , , , ,

Arte,Decoración y arquitectura,Gentes

Casas Ndebele. Los colores de la vida

17 Feb , 2019  

Una casa Ndebele

Usar el rojo para alertar de un peligro, o empezar a pintar de verde cuando terminaba una guerra. Son dos de los códigos de colores de las casas Ndebele más famosos. ¿Quieres saber más?

Empecemos por el principio. ¿Ndebele?

La gente Ndebele es un grupo étnico que vive al norte en Zimbabue y en Sudáfrica. Son realmente conocidos por la expresión artística que suponen sus hogares, pero no es solo arte, tiene sus significado.

Lo poco que sabemos de los orígenes de esta etnia es que proceden de las tribus más grandes de Nguni. Viajaron hasta la región de Transvaal desde Natal y debido a rivalidades, un grupo de los Ndebeles se fue más al norte y otro se mantuvieron un poco más al sur.

Eran grandes guerreros, pero tras la colonización holandesa, fueron sometidos a una vida de opresión. Fue entonces cuando desarrollaron estos símbolos de expresión y comenzaron a pintar sus fachadas.

Las pinturas de las viviendas Ndebele eran, y lo siguen siendo, realizadas siempre por mujeres. Durante el Apartheid era una forma de avisar del peligro mediante el color rojo, y con el color verde se simbolizaba el final de una hambruna o de una guerra, según cuentan algunas nativas como Marriam Mahlangu

Pero no solo es cosa de mujeres

Las mujeres eran y siguen siendo las pintoras. En parte porque era una tradición ritual conforme se acercaba la boda. Pintar tu casa, era para las Ndebele, síntoma de que eras una buena esposa y madre.

Como os decía, ahora, aunque sigue siendo cosa de mujeres. Las madres ya no suelen reprochar a sus hijas que no continúen la tradición, pues hay mujeres que se dedican exclusivamente a esto. Y además hay algunos hombres que han sentido la llamada del talento Ndebele.

Quizás habría que decir más bien la llamada de la divulgación. Porque de dos hombres es de donde ha surgido el Ndebele Movement. Willy Mandla y Kgosi Shagashe II Siloane son las dos mitades de este proyecto que está transportando los murales de las casas Ndebele a ropa, collares, y todo tipo de artículos.

Mandla asegura que “Nosotros estamos copiando el estilo de las casas, los convertimos en patrones y los pasamos a la ropa”. Pero es sobre todo ropa internacional. Porque no es fácil ver a la gente local con este tipo de prendas ya que es cara y difícil de conseguir para habitantes de las zonas mas rurales.

Ademas, las casas Ndebele y su arte triunfa a nivel internacional

A nivel internacional han sido muy conocidas las exposiciones de otra Mahlangu, esta vez de nombre Esther que ha llevado esta pintura mural a cuadros, coches, y ha expuesto por todo el mundo.

Pero si tu eres más de ver las cosas “in situ” que acercarte a exposiciones, uno de los mejores lugares para contemplar estas casas es Mapoch, a unos 40 kilómetros a las afueras de Pretoria. Y otro pueblo Ndebele que merece la pena ser visitado es Mpumalanga, situado en el este de África del Sur, bordeando Swazilandia y Mozambique.

Y con esto terminamos nuestro artículo sobre los Ndebele. Si te ha gustado, déjanos un comentario con tu opinión y comparte el artículo en las redes sociales. 

Decoración y arquitectura

El magistral viaje arquitectónico de la Fundación Louis Vuitton

3 Feb , 2019  

Dicen los parisinos que no se sabe si Bertrand Arnauld ha hecho un regalo a la ciudad de París o ha sido justo al revés.

La fundación Louis Vuitton, abrió al público el 27 de octubre del 2014 después de una compleja obra de varios años. En ella se alberga la colección permanente del propio Arnault, complementadas con exposiciones temporales.

Cabría destacar la selección de arte contemporáneo africano que fue la exposición estrella de 2017 en parís y coincidía con otra similar en la fundación Cartier.

El edificio se encuentra en el Bois de Boulogne, en la línea que va desde el Arc de la Defense hasta la Place de la Concorde, dejando entre media el Arc de Trionphe, Champs Elisee, el Grand Palais, etc. En definitiva, y como seguro sabían los promotores de la idea, una seña de identidad para el futuro de una ciudad inmortal.

El espacio, de 3850 metros cuadrados, fue diseñado por el audaz Frank Gehry, ganador del Pritzker en 1989, (autor también del museo Guggenheim de Bilbao).

El arquitecto revoluciona el uso del vidrio creando formas nunca vistas hasta ahora, y ofrece un edificio luminoso, ligero, único e innovador cubierto por una docena de grandes cristaleras retorcidas que otorgan volumen y profundidad espacial al edificio.

En mi opinión es una magistral deconstrucción de la propia torre Eiffel, el icono sempiterno de la ciudad, embutido en un kiosco decimonónico típicamente parisino.

Torre que se ve desde las terrazas del edificio, quizás la parte más atractiva del lugar ya que uno puede recorrer (incluso en escaleras mecánicas) las sinuosas líneas del edificio y disfrutar de increíbles vistas panorámicas desde las diferentes terrazas del edificio.

Hay quien dice que estos edificios de Gehry son pretenciosos y vanidosos (y pueden que sean opiniones acreditadas) (me he divertido leyendo una selección de criticas pésimas en Tripadvisor -solo un 2%) aunque me rindo a la evidencia de un magistral viaje arquitectónico y felicito a los ingenieros y arquitectos que han calculado la estructura.

Las obras de arte de las salas interiores rivalizaran siempre con el edificio como obra de arte a mayores. De hecho, una de las salas más visitadas del complejo es ‘le studio’ donde se proyecta la evolución del edificio desde su concepción hasta la finalización subrayando la fuerza expresiva del edificio y su complejidad tecnológica.

Cuenta con tienda, auditórium, y el estrellado Restaurante le Frank, cuyo chef, Jean-Louis Nomicos ha diseñado una oferta gastronómica acorde al lugar, ondulando y cambiando sofisticadamente cada hora del día.

Volveré a la exposición de Basquiat y Egon Schiele.

Decoración y arquitectura

El Arte Shona. Más que escultura

16 Dic , 2018  

Zimbabwe posee dos grandes culturas diferentes que tienen distintas maneras de hacer arte, los Ndeble y los Shona. Pero el grupo étnico más grande e influyente del país, son la gente “Shona” y de su arte es de lo que venimos a hablarte hoy.

¿Cuál es la historia de la escultura Shona?

Como ya hemos comentado, el Arte Shona tiene su origen en el pueblo étnico de los Shona en Zimbabue. Se conoce bajo este nombre desde la aparición de las primeras esculturas en los años 60.

En 1957 el historiador de arte Frank McEwen asumió la dirección de la Galería Nacional en Salesbury, Rhodesia del Sur o lo que hoy conocemos como Harare, Zimbabwe. Antes, había dirigido provisionalmente el Museo Rodin en París.

McEwen, se especializó en arte africano y su influencia sobre Picasso, Matisse o Henry Moore debido a que los había conocido personalmente. Abrumado por el potencial artístico existente en Zimbabwe, fundó escuelas taller. Eran poco convencionales y donde el artista africano podía desarrollar libremente su talento creativo.

No podemos decir que él fue el creador de la “Escultura Shona” pero en gran parte alentó a los artistas africanos a crear mirando hacia el interior de su cultura y a expresar su arte, basándose al principio en su propia mitología.

Otra persona destacada de este arte Shona fue Blomefield.

Tom Blomefield era un pequeño granjero de tabaco, que al ver que su granja no prosperaba, fundó en 1966 la colonia artística “Tengenenge”. Se convirtió en su director, y ha seguido siéndolo hasta 2007. Actualmente, sigue existiendo esta pequeña colonia. De ella han surgido varios artistas reconocidos a nivel mundial.

El pueblo de Tengenenge es una galería al aire libre de la escultura Shona, y allí se exponen más de 11.000 obras de más de 80 escultores.

Los materiales de las esculturas son siempre autóctonos.

La existencia de una gran cantidad y variedad de material crudo ha sido un factor de gran importancia para el desarrollo de los escultores de Zimbabwe.

El “Great Dyke” provee a los artistas de su material predilecto para trabajar en sus esculturas: la piedra Serpentina.

Este tipo de piedra tiene 2,6 mil millones años y se encuentra en grandes cantidades en Zimbabwe. La Serpentina está caracterizada por su dureza y por sus escasas grietas. El color de la Serpentina depende de la combinación de minerales y su apariencia varía según el lugar en que se encuentre.

En las canteras de Tengenenge se encuentra el Springstone, una Serpentina de color negro intenso y de extrema resistencia y dureza. El Opal es una variedad de la Serpentina de color verde claro. Viene de la zona de Chiweshe y gusta mucho por su dureza y su dibujo. Muchas veces contiene partes naranjas, rojas o azules bajo la superficie.

Otra de las piedras utilizadas frecuentemente para crear estas maravillosas esculturas es la semipreciosa Verdite. Se caracteriza igualmente por una gran dureza y por su intenso verde. Ello es resultado de su contenido en cromo, aunque puede encontrarse también en colores más oscuros como el marrón.

Y por supuesto, todo está realizado a mano

Las figuras se hacen a base de martillo y distintos tamaños de cincel, dándole la forma que ellos desean. Aunque para los detalles siempre suelen trabajar con limas de distintos grosores.

El acabado de cada escultura se hace con papel de lija y con una paciencia infinita para dar esa forma tan espectacular a todas las esculturas Shona. Al final se esmerila todo con un poco de agua y la lija más fina.

Por último para conseguir un brillo y un color intenso lo bañan con una cera incolora después de haber calentado la piedra para que la cera penetre mejor. Una vez que han terminado, el artista pule su obra hasta que consigue el acaba que buscaba.

Tiene algunos artistas de renombre como …

La escultura o el arte Shona tiene algunos renombres mundiales. Han expuesto en países de toda Europa, y en España fueron muy impactantes las demostraciones de la Expo de Sevilla del 92.

Algunos autores son: 

  • Lazarus Takawira
  • Fanizani Akuda
  • Anderson Mukomberanwa
  • Sylvester Mubayi

Y otros muchísimos más.

Ya sabes, lo ideal si quieres ver y conocer más sobre la escultura Shona es que te pases por Harare o por Tengenenge y descubras el maravilloso mundo del arte Shona.

Decoración y arquitectura,Filosofía de viaje,Gentes,Moda y estilo

LA CASA DE DIANNE VON FUSTENBERG DECORADA CON UN TOQUE AFRICANO

2 Nov , 2017  

Nos encanta el toque que la diseñadora Dianne Von Fustenberg tiene en su apartamento de Manhattan.

Alfombras y cojines de print animal, estatuillas africanas, tiendas safari, sillas multicolor de Senegal…

Precisamente el nombre de nuestra marca, The African Touch, lo escogimos al defender, no un despliegue de estética africana, sino solo un toque. Un toque que aporta a cada ambiente los valores que más nos gustan: personalidad, sencillez, naturalidad, distinción y por supuesto elegancia.

Bravo por Dianne Von Fustenberg

 

Fustenberg (1) Fustenberg (2) Fustenberg (3) Fustenberg (4) Fustenberg (5) Fustenberg (6)

, , , , , , , ,