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LA CULTURA ZULÚ CONTADA A TRAVÉS DE CUENTAS DE COLORES

19 Feb , 2021  

‘Speaking with beads’ es un libro de Jean Morris y Eleanor Preston-Whyte (editado hace unos 25 años) que llegó a mis manos recientemente aunque había estado en mi lista de deseos de Amazon aguardando un montón de años.

 

Se trata de un documento fotográfico y antropológico de la rica ornamentación basada en las pequeñas cuentas de plástico que numerosas poblaciones del sur de África usan para expresar su propia identidad.

 

Su título es, no obstante, mucho más trascedente ya que me lleva a pensar en la verdadera importancia que las cuentas tienen para la identidad africana. Cuentas de todo tipo, no solo de plástico. Pensemos en cauris por lo pronto, así como cuentas de metal de los akan, de cristal de los Ashanti, etc.

 

Antiguamente las cuentas se hacían de barro, madera, conchas, dientes de animales… y se combinaban sobre las pieles de animales durante las ceremonias y rituales. Eran símbolo de distinción.  Aunque su valor no era solo político sino también económico (durante mucho tiempo se pagaba con cuentas a chamanes y doctores, dotes de boda, etc.)

 

A finales del siglo  empezaron a llevarse cuentas desde Europa. De cristal, de metal y  de plástico. La aristocracia zulú empezó a usarlas por aquel entonces y fue extendiéndose a toda la sociedad. Relatan que el rey Dingaan, sucesor de Shaka, residía en un edificio cuyos postes estaban recubiertos de cuentas.

 

Las mujeres en particular iniciaron toda una rica ‘joyería’ propia que llevarían después a la ornamentación de sus prendas. Los dibujos de los exploradores del xviii y xix evidencian que el uso de las cuentas en la indumentaria zulú estaba muy extendida.

 

Dada su demanda las cuentas de platico de colores empezaron a  producirse en Sudáfrica con la consecuente bajada de precio

 

EL PRESENTE DE LAS CUENTAS

 

Con el paso del tiempo el uso de cuentas forma parte intrínseca del imaginario zulú aunque como es de imaginar su uso en las ciudades está muy reducido. En pueblos es más visible aunque tampoco es una indumentaria de uso habitual. Se ha trasladado a cofradías o agrupaciones que lo reivindican con parte de la cultura zulú y aprovechan para identificar subgrupos. Especialmente en grupos cristianos (y lo que ello conlleva de aceptación de la cultura occidental).

 

El trabajo de confeccionar con cuentas es de las mujeres (bien de forma individual o colectiva) y de ambas maneras se expresan numerosas cosas como grupos y subgrupos a los que se pertenece, estado civil, etc. Los hombres son más recatados y el uso de cuentas entre estos no es tan significativo como en las mujeres, sin embargo llevar hoy cualquier elemento con cuentas significa tener presente la cultura tradicional.

 

 

 

 

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IMANE AYISSI

12 Feb , 2021  

Debo reconocer que, a pesar del interés que siempre muestro por los diseñadores de moda africanos (algunos de ellos ya han aparecido en este blog así como otros diseñadores occidentales con un toque afro), no conocía a Imane Ayissi hasta que por ventura de las RRSS me topé con su obra y biografía. Obra y biografía que por supuesto he ido investigando con interés.

 

Claro, que podría haberle dedicado esta entrada al Imane Ayissi, actor, modelo, bailarín… Aunque parece ser que en su trabajo como modisto ha alcanzado grandes éxitos de entre todas estas actividades.

 

Fue miembro del Ballet Nacional de Camerún y realizó giras con cantantes y coreógrafos, como Patrick Dupont y otros cantantes y coreógrafos lo que le llevó a recorrer los cuatro rincones del mundo.

 

Cuando se trasladó a Francia en la década de 1990 trabajó como modelo presentando las colecciones masculinas de marcas Cardin, Dior, Lanvin, Givenchy, Yves Saint-Laurent y Valentino.

 

También ha sido objeto de reportajes de moda, campañas publicitarias y proyectos artísticos en sesiones de moda de famosos fotógrafos.

 

AYISSI, DISEÑADOR DE MODA

 

Fundó su propia marca en 2004 y es el primer diseñador africano que presenta sus diseños en la pasarela de la alta costura de París (sólo otros dos diseñadores africanos han desfilado en esta pasarela: Alphadi (Nigeria) en 2004 y Noureddine Amir (Marruecos) en 2018). Es miembro invitado de la Chambre Syndicale de la Haute Couture.

 

Las prendas de las líneas «Couture» y prêt-à-porter de Imane Ayissi fusionan las tradiciones y realidades africanas con la moda occidental. Sus influencias son Cristóbal Balenciaga, Yves Saint Laurent o Azzedine Alaïa.

 

Ayissi muestra a través de sus colecciones su versión compleja, moderna y sofisticada de África y enseña lo diversas y compleja que son las culturas africanas.

 

Sus colecciones, a menudo con nombres exóticos y evocadores (Voodoo Mood, Idoutt…) combinan la artesanía, los materiales y las inspiraciones artísticas tradicionales africanas con el uso de tejidos innovadores. A menudo también hay una infusión de trabajo de bricolaje o reciclaje típicamente africano con referencias a la Alta Costura y a la creatividad contemporánea para crear una moda dirigida a un público internacional.

 

Sus prendas que le dan una vuelta de tuerca a los tejidos más tradicionales como el Kente de Ghana, la rafia de Madagascar en las orillas de vestidos estilo caftán; obom (tela hecha con la corteza de los árboles) convertida en adornos florales; chaquetas de bògòlanfini (una tela de Mali teñida con barro fermentado) y ndop (un tejido resistente teñido con índigo, de Camerún).

 

Colabora habitualmente con otras marcas de lujo (creó una línea de vestidos para la presentación de la colección de joyas y accesorios Swarovski en el Carousel de Louvre de París en 2004), pero también con marcas más accesibles como Multiples (una marca francesa de pret-à-porter que vende a precios asequibles) o La Redoute.

 

ESPIRITU RENACENTISTA

 

Este espíritu renacentista se debe en gran medida a su familia de artistas y deportistas: su padre Jean-Baptiste Ayissi Ntsama fue campeón de boxeo y su madre Julienne Honorine Eyenga Ayissi, la primera mujer coronada Miss Camerún tras la independencia del país. Sus hermanos también son bailarines y cantantes.

 

Se interesó por la moda cuando era niño en Camerún (allí hizo sus primeras prendas para su madre y posteriormente para uno de los mayores ateliers del país).

 

Imane Ayissi también participa en proyectos de formación en el ámbito de la moda y en la creación de una industria textil destinada a favorecer el crecimiento económico de África y, en particular, de Camerún.

 

 

 

 

 

 

 

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BENDITO BOGOLÁN

22 Ene , 2021  

En decoración, a veces, podemos valernos de piezas que son mucho más que eso. Son hermosos pedazos de historia y antropología que, de un modo u otro, otorgan a nuestros espacios una dimensión que trasciende la estética.

 

La colección de cojines bogolán que están a la venta en la web de The African Touch, tienen ese espíritu heterogéneo que siempre buscamos. Queremos que nuestras piezas trasciendan las tendencias y no vengan ni vayan hacia ninguna época.

 

El bogolán es una de las telas más conocidas en África. Esta tela tiene una gran importancia en la región del Sahel desde hace siglos pero recientemente está alcanzando fama mundial gracias a la impresionante demanda en África, Europa y Estados Unidos desde que en los años setenta se editara comercialmente en conmemoración del Festival de Cine de Bamako.

 

Al bogolán también se llama, de forma muy descriptiva, paño de barro de Mali.

 

Originalmente la fabricaban las mujeres de la tribu Bamún, establecida en la región de Djenné, en Mali.

 

Esta tela, tejida en bandas de algodón, y decorada con motivos geométricos blanco sobre fondo negro, se usaba para confeccionar ropa de mujer. Tradicionalmente era la tela con las que vestían las mujeres con la menstruación, embarazadas o con riesgo de perder sus hijos ya que, según las fabulas tradicionales, su dureza y grosor mantenían alejados los espíritus malignos. Es un tejido protector.

 

El paño se sumerge primero en una decocción de hojas de árboles galman y tjankara que contienen muchos taninos con los que adquiere un tono amarillo profundo.

 

Los motivos geométricos se aplican directamente sobre la tela con la base de una botella o recipiente similar. Posteriormente se cubre de barro alrededor del motivo aplicándolo con un cuchillo o espátula metálica ya que el óxido del metal y el barro entran en reacción con el  ácido tánico produciendo un fondo negro. El barro se lava posteriormente y las partes amarillas se decoloran con una solución de sosa cáustica.

 

Siguiendo el  mismo método de fabricación, en la actualidad también se encuentran estampados negros sobre fondo blanco y tonos terrosos y ocres.

 

La producción se concentra en la ciudad de San al norte de Bamako donde el  equipo de compras de The African Touch los selecciona personalmente para posteriormente realizar la colección de cojines y tapizados.

 

 

 

 

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FUNDACIÓN LOUIS VUITTON PARÍS

22 Sep , 2020  

Si te interesa parís, la arquitectura y las artes plásticas, las líneas que siguen no te aportarán mucho más de lo que ya sabes, pero seguro que también podrás recrear todo ello reducidos como estamos desde hace meses a una vida liviana y vigilante. Yo mismo he recreado un viaje del que daba cuenta en este mismo magazine hace algo más de un año.

 

Dicen los parisinos que no se sabe si Bertrand Arnauld ha hecho un regalo a la ciudad de París o ha sido justo al revés.

 

La fundación Louis Vuitton, abrió al público el 27 de octubre del 2014 después de una compleja obra de varios años. En ella se alberga la colección permanente del propio Arnault, complementadas con exposiciones temporales.

 

Cabría destacar la selección de arte contemporáneo africano que fue la exposición estrella de 2017 en parís y coincidía con otra similar en la fundación Cartier.

 

El edificio se encuentra en el Bois de Boulogne, en la línea que va desde el Arc de la Defense hasta la Place de la Concorde, dejando entre media el Arc de Trionphe, Champs Elisee, el Grand Palais, etc. En definitiva, y como seguro sabían los promotores de la idea, una seña de identidad para el futuro de una ciudad inmortal.

 

El espacio, de 3850 metros cuadrados, fue diseñado por el audaz Frank Gehry, ganador del Pritzker en 1989, (autor también del museo Guggenheim de Bilbao).

 

El arquitecto revoluciona el uso del vidrio creando formas nunca vistas hasta ahora, y ofrece un edificio luminoso, ligero, único e innovador cubierto por una docena de grandes cristaleras retorcidas que otorgan volumen y profundidad espacial al edificio.

 

En mi opinión es una magistral deconstrucción de la propia torre Eiffel, el icono sempiterno de la ciudad, embutido en un kiosco decimonónico típicamente parisino.

 

Torre que se ve desde las terrazas del edificio, quizás la parte más atractiva del lugar ya que uno puede recorrer (incluso en escaleras mecánicas) las sinuosas líneas del edificio y disfrutar de increíbles vistas panorámicas desde las diferentes terrazas del edificio.

 

Hay quien dice que estos edificios de Gehry son pretenciosos y vanidosos (y pueden que sean opiniones acreditadas) (me he divertido leyendo una selección de criticas pésimas en Tripadvisor -solo un 2%) aunque me rindo a la evidencia de un magistral viaje arquitectónico y felicito a los ingenieros y arquitectos que han calculado la estructura.

 

Las obras de arte de las salas interiores rivalizaran siempre con el edificio como obra de arte a mayores. De hecho, una de las salas más visitadas del complejo es ‘le studio’ donde se proyecta la evolución del edificio desde su concepción hasta la finalización subrayando la fuerza expresiva del edificio y su complejidad tecnológica.

 

Cuenta con tienda, auditórium, y el estrellado Restaurante le Frank, cuyo chef, Jean-Louis Nomicos ha diseñado una oferta gastronómica acorde al lugar, ondulando y cambiando sofisticadamente cada hora del día.

 

Aunque prometí en el post original que volvería a la exposición de Basquiat y Egon Schiele, no lo he podido hacer. ¿Podré ir a la de Cindy Sherman?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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“Blanco y Negro”, de Man Ray

10 Mar , 2020  

Esta fotografía en gelatina de plata, Noire et blanche Black and White, se realizó en 1926 para la revista de moda Vogue. Kiki, la novia de Man Ray, cantante, actriz y modelo, encarnaba el ideal de belleza en ese momento de piel blanca, cara ovalada simétrica y boca de cereza. Para dar a esta belleza occidental una connotación exótica, Man Ray usó una máscara Baule (Costa de Marfil), probablemente una copia hecha para el mercado turístico. Además, la máscara vertical parece estar más viva que la cara reclinada.

 

La fotografía de Man Ray se corresponde con la concepción surrealista de que colisiones como esta perturban la realidad cotidiana.  Los surrealistas a menudo usaban el arte de África y Oceanía para socavar la tradición europea.

 

Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky. Aunque nacido en USA, pasó la mayor parte de su carrera en París. Participó de manera informal en los movimientos dadaísta y surrealista y se le considera una de los mejores fotógrafos del siglo XX.

 

 


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Mesas Bamileke

21 Ene , 2020  

La más hermosa pieza de pequeño mobiliario africano. Siempre aparece en las grandes decoraciones aportando ese toque étnico único.

 

Son de madera protegidas por un barniz oscuro que les proporciona un halo misterioso y sofisticado. Sus dimensiones son ideales como mesa auxiliar e incluso también como mesa de centro (aunque los antiguos reyes bamileke las usaban como asientos).

 

Ya sea más o menos moderno el estilo decorativo, habrán de elegirse para ella espacios abiertos donde protagonicen la escena.

 

Están hechas a partir de un único bloque de madera con una talla cruzada repetitiva en toda la superficie bajo el sobre en la forma tradicional de tela de araña.

 

La etnia Bamileke, se ha dedicado al comercio y la artesanía durante siglos, disciplina está en la que han alcanzado una sorprendente maestría. Especialmente en la técnica monóxilo (esculpir a partir de una única pieza de madera). Nada de ello sin embargo la ha hecho perder sus ancestrales costumbres que defienden aun en la actualidad incluso con una forma de gobierno propia: las jefaturas fondon.

 

 

 

 

Puedes ver la selección de las mesas bamileke en The African Touch: www.theafricantouch.com

 

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LA SILLA BUTTERFLY Y EL GRUPO AUSTRAL

10 Dic , 2019  

El Grupo Austral fue un colectivo de arquitectos fundado en Buenos Aires en 1938 como parte del Grupo de Arquitectos y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea. Ejerció una gran influencia en el panorama de la arquitectura y el diseño latinoamericanos a partir de los años 30 sobre la idea de la coexistencia del mundo de lo individual y anárquico con el funcionalismo, del avance social y la utopía del progreso.

 

El  nombre de la silla BKF 1938 también conocida como Butterfly proviene de las iniciales de Antonio Bonet, Juan Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy  fundadores del Grupo Austral.

 

Recordaba a la silla tripolina, un asiento plegable de campaña con estructura de madera cubierta de lona, patentada por un constructor inglés y utilizado desde 1877 por el ejército ingles en el norte de África.

 

Actualmente Isist Leather BCN fabrica artesanalmente el diseño original de las BKF. Por su parte Telami produce en Italia la silla Tripolina original. En ambos caso, cada ejemplar está grabado con un número único de identificación

 

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MARRAKECH ES DE COLOR SAFRÁ

15 Abr , 2019  

Wow wow y wow. Esto sí que ha sido un descubrimiento!

 

Después de mil años yendo a Marrakech (y aun con unas preferencias en materia de alojamiento con encanto mas que fundadas) todavía alucino con el último descubrimiento: el Riad Color Safrá.

 

El Riad merece varios posts (sobre su cocina, sobre la decoración, sobre la hospitalidad, sobre su ubicación, etc.) pero empezaré únicamente por recomendarlo como un lugar de primera en la medina de Marrakech.

 

Suficientemente lejos del bullicio de los zocos para no sentir el jaleo, pero lo suficientemente cercano para estar en él en cinco minutos. Es de los pocos lugares de la medina accesibles con coche (a la plaza de Ben Salah).

 

En las imágenes que ilustran esta entrada podréis ver la hermosa ambientación de la casa. Una decoración típicamente marroquí pero muy chic, sin exceso ni sobrecargas. Mediterránea y relajada.

 

Y si dijese a continuación que es uno de los mejores restaurantes de Marruecos… seguro que alguien me acusaría de exagerado, pero debo confesar que por buenos que sean algunos restaurantes de Marruecos, en ninguno he encontrado una carta tan variada, modernizada y rica como aquí.

 

Todo el equipo que gestiona la casa es joven, amable, servicial y encantador, lo que suele asegurar un viaje placentero.

 

No obstante me he dejado para el final las dos mejores cosas del Riad: (2) un precio wow y (1) Gala y Ángel. Los que nos dedicamos a la empresa sabemos lo importante y difícil que es dar a estas su tono. Pues bien, los encantadores Gala y Ángel, han sabido dárselo a base de elegancia, entusiasmo, honestidad, cariño y un poco de aventura.

 

Ya estáis tardando. https://colorsafra.com/

 

 

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ARTE CONTEMPORÁNEO EN ÁFRICA (IV): el arte emergente en África central y oriental

1 Dic , 2017  

Cierto es que la mayor producción artística corresponde al África Occidental, sin embargo Internet también ha facilitado la difusión de las diversas formas artísticas entre las distintas culturas de África central y oriental, así como un leve desarrollo de las escuelas de arte y arquitectura.

 

A continuación se relacionan –de forma no exhaustiva- los artistas del África Central y Oriental presentes en el estado actual del arte contemporáneo internacional.

 

Francis Mampuya (Congo)

 

Tras estudiar durante un año Bellas Artes en Kinshasa, crea el grupo los libristes, basado en principios de libertad artística.

 

El universo de Francis Mampuya es alternativamente semifigurativo y abstracto, donde la abstracción siempre quiere ser alusiva. Si bien lo primero que nos impacta es su fuerte colorido, con un dominio del azul y el rojo,

Francis Mampuya

Kristine Tsala (Camerún)

 

Hija de la selva, según ella los cuadros que pinta son sus  ‘nuevos árboles’.

 

Se traslado a Kinshasa donde fundó el colectivo » 3Kokorikos».  La calle es su fuente de inspiración. Hombres y mujeres con los que la artista se cruza cada día con todos sus colores, formas, cláxones, especias, olores…

 

le gusta experimentar con técnicas y colores suaves y brillantes en la que se entrelazan signos místicos y máscaras a las que impregna con mensajes simbolicos.

Kristine Tsala

Sammy Baloji (Congo)

 

Se inicio como dibujante de comics y continuó como fotógrafo y videoartista. El paisaje urbano de su región natal de Lubumbashi es la tabla sobre la que denuncia la explotación etnográfica y urbanística del medio ambiente del Congo

Sammy baloji

Samson Kambalu (Malawi)

 

De una educación muy cuidada, su referencia es el movimiento situacionista y la cultura chewa que reproduce en una amplia variedad de medios plásticos

Samson kambalu

Gonzalo Mabunda (Mozambique)

 

Su infancia fue esta marcada por la violencia y lo absurdo de la guerra civil en Mozambique. A partir de ahí, crea  esculturas, muebles y objetos cuyas materias primas son las armas desactivadas y otros objetos de destrucción recuperadas tras la guerra civil que devastó su pais.

Gonzalo mabunda

 

Cyrus Kabiru (Kenia)

 

Artista autodidacta, sus trabajos normalmente son representaciones humorísticas de la vida contemporánea en Kenia. Su obra se sitúa entre la moda, el arte, el diseño y el espectáculo. Es especialmente conocido por sus gafas artísticas C-STUNNERS, hechas con materiales reciclados. La obra se sitúa entre la moda, el arte, el diseño y el espectáculo.

Cyrus Kabiru

Boris Nzebo (Camerún)

 

Muestra la complejidad de la Cultura urbana de Douala. Su arte se basa en la típica cartelería comercial pintada a mano. A través de los peinados de sus personajes trata de explorar la relación entre la vida interior y la vida callejera

Boris Nzebo

Aza Masongi (Congo)

 

Experimenta en otros campos del arte y para ello no duda en utilizar diferentes estilos en su obra como la pintura y escultura y la abstracción figurativa. Estilos que reflejan los elementos, materiales y situaciones de la vida cotidiana que posteriormente dan vida a los cuadros de la congolesa y que buscan expresar el ritmo de la sociedad contemporánea.

Aza Masongi

Samuiel Dalle (Camerún)

 

Se traslada a Congo ya que es rechazado de las escuelas de bbaa de Camerún. Pinta en acrílico fragmentos de la vida cuotidiana y del África actual: inmigración, miseria y capitalismo, egoísmo.

 

Samuiel dalle

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LA CASA DE DIANNE VON FUSTENBERG DECORADA CON UN TOQUE AFRICANO

2 Nov , 2017  

Nos encanta el toque que la diseñadora Dianne Von Fustenberg tiene en su apartamento de Manhattan.

Alfombras y cojines de print animal, estatuillas africanas, tiendas safari, sillas multicolor de Senegal…

Precisamente el nombre de nuestra marca, The African Touch, lo escogimos al defender, no un despliegue de estética africana, sino solo un toque. Un toque que aporta a cada ambiente los valores que más nos gustan: personalidad, sencillez, naturalidad, distinción y por supuesto elegancia.

Bravo por Dianne Von Fustenberg

 

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