Arte,Decoración y arquitectura,The African World

ARTES MAYORES Y MENORES. EUROPA Y ÁFRICA FRENTE A FRENTE

5 Mar , 2021  

En la inútil comparativa (desviada del foco real de la cuestión) con la que siempre lidiamos quienes estudiamos el exotismo en el arte y la decoración, hay un aspecto que sale a relucir con cierta frecuencia en la literatura especializada: artes mayores y artes menores.

 

*(Por suerte sale a relucir cada vez con menos regularidad).

 

La comparativa no deja de mostrar más que sometemos todo a exámenes y con estos dejamos en evidencia los valores artísticos sobre los que se ha asentado el arte en Europa y occidente.

 

Las precisiones que siguen la tortuosa relación histórica entre las denominadas artes mayores y menores son solo una mínima parte de un compendio de saberes que muestran la diferente mentalidad artística de Europa y África y que permiten superar antagonismos estériles y colocar un mundo y otro en el universo que a cada uno le corresponde.

 

Parece que la diferencia entre una y otra es el contacto físico y material con ellas. Mientras la pintura y la escultura no requieren contacto físico y bastaría tan solo el deleite de la observación intelectual, otras artes (a las que la historia ha puesto por nombre: menores) sí requieren un contacto físico y material. La decoración seria arte menor en la medida en que es vivida en contacto directo y permanente.

 

Una clasificación que implica, erróneamente en mi opinión, arte de primera y segunda división. Arte divino y arte mundano, alto y bajo…

 

De hecho, y con el ejemplo puede percibirse el abismo entre Europa y África, el arte mayor en esta última sí ha requerido el contacto físico con la obra ya que jamás se produjeron para el deleite visual solamente, sino que implicaban también una finalidad (como la escultura por ejemplo, cuya finalidad es ritual en muchos casos).

 

Contrariamente, la pintura no es un arte muy representativo de las manifestaciones tradicionales de África. La cestería y orfebrería son también otras artes menores que han tenido predicamento en África. La arquitectura sería otro arte menor en esta relación de definiciones.

 

Esto muestra igualmente la distancia cultural existente entre África y Europa por lo que los parámetros que pueden servirnos aquí para clasificar como bueno o malo, bonito o feo, no son válidos en África.

 

 

 

 

 

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Arte,Ciudad y países,Filosofía de viaje

MARIANO BERTUCHI, EL PINTOR DEL PROTECTORADO

26 Feb , 2021  

Un pintor granadino, Mariano Bertuchi, fue el responsable de fijar la imagen de Marruecos en España a partir de mediados del siglo XX. Se le considera el pintor por antonomasia del protectorado, así como

 

Además de pintor, fue también funcionario con amplias responsabilidades en la gestión cultural dentro de la administración colonial española en Marruecos. Su labor como funcionario colonial fue trascendental en las labores culturales del Marruecos español.

 

Visitó el norte de África por primera vez en las navidades de 1898. En 1902 regresó al norte de África. En 1908 se trasladó a Melilla donde siguió cultivando los temas marroquíes. En 1918 Bertuchi y su familia decidieron trasladarse a Ceuta, una ciudad en plena expansión, que se había convertido en la puerta de entrada al recién creado  protectorado, al que viajó frecuentemente. Acompañado de su esposa, se estableció definitivamente en Tetuán, en 1930 donde permanecería hasta su muerte en junio de 1955.

 

Descendía de una familia originaria de Malta, emigrada a Granada después de la invasión napoleónica de finales del siglo XVIII, pero la parte más relevante de su carrera la desarrolló en el protectorado español en Marruecos.

 

Tras la guerra civil española, se exilió en Francia. Tras repatriarse, fue juzgado dos veces en consejo de guerra y encarcelado. Ello no impidió que la obra de Bertuchi fuese utilizada profusamente por la propaganda franquista para difundir la labor de España en su protectorado sobre el norte de Marruecos.

 

Como artista, elaboró la práctica totalidad de los diseños de los sellos del Correo Español en Marruecos, hasta la independencia del país. Durante toda su estancia en Tetuán, su producción artística sería variada y abundante. Fue también responsable de la mayor parte de la cartelería turística del Marruecos español, trabajando para el Comité Oficial de Turismo de Marruecos. Al frente de los Servicios de Bellas Artes impulsó la adquisición de objetos de interés artesanal y etnográfico de los pueblos del norte de Marruecos que merecieran ser expuestos al público de manera permanente. La gran cantidad de piezas acumulada hizo que fuese necesario disponer de un espacio para su catalogación y exhibición, por lo que Bertuchi estableció el Museo de Arte Indígena y Hogar Musulmán en Tetuán (en la actualidad es el Museo Etnográfico de Tetuán).

 

Bertuchi se inserta en la línea de pintores españoles iniciada por Mariano Fortuny y seguida después por José Tapiró y Baró que se alejó de los tópicos del orientalismo. Es el pintor de la vida cotidiana del Marruecos colonial español, plasmando ese discurrir vital que desfila ante sus ojos, sin ningún prurito de exotismo o etnográfico.

 

 

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TINGATINGA

5 Feb , 2021  

He pasado muchas veces delante de ellos, y no solo en Tanzania, sino a lo largo y ancho del continente. Algunos me parecían horrorosos y otros de una candidez tremenda.

 

Me refiero a pinturas del género ‘tinga-tinga’, una especie de surrealismo naif al estilo africano.

 

Debo confesar que dentro de lo caricaturesco que me parecen estas pinturas, creo que muchas tienen un verdadero valor pictórico. A veces me recuerdan a Escher con esos animales entrelazados creando un patrón.

 

Un estilo pictórico que lleva el nombre del pintor Edward Said Tingatinga, primer artista en realizar este tipo de obras y posteriormente fundador de la Sociedad Cooperativa de Arte Tingatinga, en la que se formaron desde la segunda mitad del siglo XX muchos otros artistas jóvenes de Dar es Salaam (Tanzania) y que posteriormente se extendió a la mayor parte de Tanzania, Kenia y los países de África oriental.

 

Un estilo ingenuo y surrealista lleno de colores brillantes y saturados que muestra con sarcasmo los grandes estereotipos de la vida corriente de África así como como la fauna salvaje o los paisajes de la sabana.

 

ORIGEN TRADICIONAL

 

Algunos marchantes e historiadores indican que Edward Tingatinga podría haber estado influido por la decoración tradicional de las paredes de las cabañas de los pueblos Makonde (se han documentado esas pinturas realizadas en Dar es Salaam por emigrantes de esos aguerridos pueblos del norte de Mozambique. (Se dice que muchos de los recursos para financiar las guerrillas de la frelimo contra la presencia colonial de Portugal en Mozambique procedía de la venta de etas obras.)

 

De hecho, cuando se trasladó a Dar Es Salaam para ganarse la vida, antes de dedicarse por entero a la pintura, Tingatinga decoró las paredes de un par de casas a cambio de una remuneración antes de empezar a pintar sobre tablas de albañilería.

 

LA ESCUELA TINGATINGA

 

Debido a su corta vida artística, Tingatinga sólo dejó un número relativamente pequeño de cuadros, muy apreciados por los coleccionistas.

 

En la década de 1990 surgieron nuevas tendencias dentro del estilo Tingatinga, en respuesta a las transformaciones que estaba experimentando la sociedad tanzana tras la independencia.

 

Se introdujeron nuevos temas relacionados con la nueva sociedad urbana y multiétnica de Dar es Salaam (por ejemplo, calles y plazas abarrotadas y concurridas), junto con ocasionales novedades técnicas (como el uso de la perspectiva).

 

Muchos elementos del estilo están orientados al turismo (cuadros pequeños para que puedan transportarse fácilmente, el tema de la a fauna salvaje pensada para atraer a europeos americanos..

 

LEGADO POSTERIOR

 

Uno de los pintores más conocidos de la segunda generación de Tingatinga es Simon Mpata cuñado del propio Edward.

 

Aunque no fue alumno de la escuela Tingatinga, el  artista tanzano George Lilanga, si frecuentaba a esos artistas como se refleja en su obra (como ha admitido él mismo).

 

El arte de Lilanga se asemeja a Tingatinga también en el  uso de colores vibrantes y la composición

 

La evolución de este estilo se transformó en la creación de un nuevo grupo: Slipway

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Arte

CREACION Y RECREEACION

11 Dic , 2020  

Estas palabras tratan de la individualidad, del valor, del progreso.

 

NADA NACE DE LA NADA

 

Pensar que, espontáneamente, algo surgirá de la nada (si es que somos capaces de albergar que es eso de la nada y si existe realmente) es un planteamiento absurdo. Quienes crean en Dios podrán atribuirle a Él esa capacidad, si quieren (Dios, precisamente un espíritu de la Nada). Sin embargo, incluso ellos, negarían tal capacidad a ser humano alguno. Nadie puede hacer aparecer cosa alguna allí donde nada existe.

 

TODO NACE DEL TODO

 

Nuestro infinito, el infinito de los hombres y mujeres de nuestro tiempo (aunque sigue siendo finito) abarca los límites del universo conocido e intuido. Y dentro de esos límites, todo es algo. Y por tanto toda cosa nueva lo es procedente de existencias anteriores. Existe un lugar, un momento… Hablar de creación es por ello, en su profundo significado, una nadería. Existe, eso si, la re-creación, las mil y una versiones de las mil combinaciones del todo. Cada cosa nueva es una síntesis de elementos precedentes.

 

El pintor combina los elementos que tiene delante de si (las distintas técnicas, las diferentes herramientas, la hª del arte…) y desemboca en algo mas o menos único, mas o menos singular, pero no hace aparecer en la nada cosa alguna. El cocinero re-crea alguna receta combinando los ingredientes y técnicas a su disposición. El científico llega a conclusiones partiendo de equipos y conocimientos preexistentes. El escritor combina los estilos literarios partiendo de una sensibilidad fruto de una cultura precedente a su disposición.

 

NADA NACE DE LA NADA. TODO NACE DEL TODO.

 

Hasta el momento, después de miles de años, de historia, la humanidad todavía utiliza sólo una inteligencia práctica y útil, orientada a sus objetivos de supervivencia. El inteligente es el que soluciona su problema inminente. Pero ya deja de ser eficaz esa formula. La historia se haya en crisis de madurez. Ahora pensamos en nosotros mismos y la única inteligencia posible es la inteligencia global, unificadora, creativa.

 

La creatividad no es una especial habilidad para dar soluciones imaginativas a determinados acontecimientos, sino un estado de beatitud. Piensa en una tarde de primavera, absorto, en un pequeño jardín, entregado a la tierra, al color de las flores, a la forma de los arbustos. Piensa en un paseo delicioso en el que se oye el sereno murmullo de la eternidad. Ese es el estado creativo, en el que todo nosotros somos una única inteligencia integradora. Y TODO NACE DEL TODO.

 

Así los genios, son personajes fruto de una época atrapada en la inteligencia práctica. Cargando su saco colmado de ideas útiles. Reservadas para si como salvoconducto en un mundo elemental. El genio de hoy es un ser total, conectado con el todo, en continuo proceso de intercambio con el todo. La genialidad no es ya personalista, ni recibe el reconocimiento como pago. Es humilde, liberadora de si misma y de su entorno, sencilla, arrebatadora, vehemente. La genialidad se halla frente a una quimera eterna, ante un complejo de alternativas, ambigüedades y confusiones. Sin embargo ambos genios compartían ese punto de santidad en el que se concentra el pasado, el presente y el futuro y del que partían las conexiones infinitas con el todo.

 

La creatividad es un acto gratuito para el que solo se requiere la valentía en un espíritu libre y puro.

 

 

 

 

 

 

 

 

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DERVICHES SUFÍES

13 Nov , 2020  

El sufismo es un una corriente teológica que aspira a la conexión directa con dios, sin intermediarios.

 

Existen numerosas órdenes místicas dentro del islam, una de las más conocidas es la orden Mevlevi. Esta se creó en 1273 tras la muerte de Rumi y basada en las enseñanzas de este y fundamentalmente en el  amor y la tolerancia.

 

La sema, la ceremonia sufí en que los derviches giran, es hoy dia una de las mejores herencias culturales del islam

 

El sema es un ritual de maduración espiritual, de conexión directa con dios

 

En primer lugar cada personaje toma posesión de su lugar. Los músicos, los derviches y el derviche principal (el sheik). Tras esto se interpretan unas piezas musicalizadas en las que alternativamente cada instrumento tiene su protagonismo: la flauta, el kudum, el  doble tambor, etc.

 

Los derviches dan tres vueltas sobre el espacio. En primera instancia tres que representan la nada previa a la creación del universo, la creación de la flora y la fauna. Tras esto los derviches se quitan sus chaquetas y comienzan a girar. Abren sus brazos de forma que la mano derecha mira hacia arriba y la izquierda hacia abajo (hacia el  cielo y hacia la tierra). Es el nacimiento de la humanidad.

 

Los derviches giran sobre si mismos y sobre la pista, imitando el  movimiento cósmico de los planetas. En el universo todo gira.

 

Durante mucho tiempo fue perseguida por el islam aunque en la actualidad ya está aceptada y ha adquirido cierta distinción. En 2005 fue declarada por UNESCO patrimonio de la humanidad.

 

 

 

 

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EL ARTE SHONA. MÁS QUE ESCULTURA

16 Oct , 2020  

Zimbabwe posee dos grandes culturas diferentes que tienen distintas maneras de hacer arte, los Ndeble y los Shona. Pero el grupo étnico más grande e influyente del país, son estos últimos y de su arte es de lo que venimos a hablarte hoy.

 

El Arte Shona tiene su origen en las manifestaciones culturales de este pueblo de Zimbabue en los años 60.

 

En 1957 el historiador de arte Frank McEwen asumió la dirección de la Galería Nacional en Salesbury, Rhodesia del Sur o lo que hoy conocemos como Harare, Zimbabwe. Antes, había dirigido provisionalmente el Museo Rodin en París.

 

McEwen, se especializó en arte africano y su influencia sobre Picasso, Matisse o Henry Moore debido a que los había conocido personalmente. Abrumado por el potencial artístico existente en Zimbabwe, fundó escuelas taller. Eran poco convencionales y donde el artista africano podía desarrollar libremente su talento creativo.

 

No podemos decir que él fue el creador de la “Escultura Shona” pero en gran parte alentó a los artistas africanos a crear mirando hacia el interior de su cultura y a expresar su arte, basándose al principio en su propia mitología.

 

Tom Blomefield era un pequeño granjero de tabaco, que al ver que su granja no prosperaba, fundó en 1966 la colonia artística “Tengenenge”. Se convirtió en su director, y ha seguido siéndolo hasta 2007. Actualmente, sigue existiendo esta pequeña colonia. De ella han surgido varios artistas reconocidos a nivel mundial.

 

El pueblo de Tengenenge es una galería al aire libre de la escultura Shona, y allí se exponen más de 11.000 obras de más de 80 escultores.

 

La existencia de una gran cantidad y variedad de material crudo ha sido un factor de gran importancia para el desarrollo de los escultores de Zimbabwe.

El “Great Dyke” provee a los artistas de su material predilecto para trabajar en sus esculturas: la piedra Serpentina.

 

Este tipo de piedra tiene 2,6 mil millones años y se encuentra en grandes cantidades en Zimbabwe. La Serpentina está caracterizada por su dureza y por sus escasas grietas. El color de la Serpentina depende de la combinación de minerales y su apariencia varía según el lugar en que se encuentre.

 

En las canteras de Tengenenge se encuentra el Springstone, una Serpentina de color negro intenso y de extrema resistencia y dureza. El Opal es una variedad de la Serpentina de color verde claro. Viene de la zona de Chiweshe y gusta mucho por su dureza y su dibujo. Muchas veces contiene partes naranjas, rojas o azules bajo la superficie.

 

Otra de las piedras utilizadas frecuentemente para crear estas maravillosas esculturas es la semipreciosa Verdite. Se caracteriza igualmente por una gran dureza y por su intenso verde. Ello es resultado de su contenido en cromo, aunque puede encontrarse también en colores más oscuros como el marrón.

 

Las figuras se hacen a base de martillo y distintos tamaños de cincel, dándole la forma que ellos desean. Aunque para los detalles siempre suelen trabajar con limas de distintos grosores.

 

El acabado de cada escultura se hace con papel de lija y con una paciencia infinita para dar esa forma tan espectacular a todas las esculturas Shona. Al final se esmerila todo con un poco de agua y la lija más fina.

 

Por último para conseguir un brillo y un color intenso lo bañan con una cera incolora después de haber calentado la piedra para que la cera penetre mejor. Una vez que han terminado, el artista pule su obra hasta que consigue el acaba que buscaba.

 

La escultura o el arte Shona tiene algunos renombres mundiales. Han expuesto en países de toda Europa, y en España fueron muy impactantes las demostraciones de la Expo de Sevilla del 92.

 

 

 

 

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MÁSCARAS: METAMORFOSIS DE LA IDENTIDAD MODERNA

7 Oct , 2020  

Exposición en el Museo Carmen Thyssen-Bornemisza Málaga Del 28 de julio de 2020 al 10 de enero de 2021
Artistas: Goya, Ensor, Gutiérrez Solana, Picasso, Derain, Gargallo, Julio González, Modigliani, Togores, Oteiza, Goncharova, De Chirico, Ernst, Barradas, Lekuona, Maruja Mallo…

 

 

Esta exposición, conformada por más de un centenar de piezas y comisariada por Luis Puelles, profesor titular de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad de Málaga y Lourdes Moreno, Directora Artística del Museo, plantea una reflexión sobre la máscara como elemento transformador de la representación de la figura humana en el arte moderno. Partiendo de un uso festivo tradicional vinculado al carnaval y al disfraz, que también se mantendrá en la vanguardia en los personajes de la Commedia dell’arte, la máscara comienza primero a asociarse a lo grotesco y a la muerte, en el fin de siglo XIX y con el antecedente de Goya, e irrumpe como referencia para el trabajo del rostro en la vanguardia, a partir de la influencia de máscaras etnográficas de culturas no europeas en los inicios del siglo XX. Rasgos simplificados, planos, ojos de cuencas vacías despersonalizan el rostro humano en movimientos como el cubismo, dadaísmo, expresionismo y surrealismo. Estas experiencias resultarán decisivas para el arte moderno, haciendo que la máscara deje de mostrarse como objeto y termine por asimilarse al propio rostro, cuestionando la identidad, la individualidad y la subjetividad.

 

 

Como en la secuencia de una metamorfosis, la muestra indaga en el uso de la máscara por el arte como algo absoluto, más allá de sus connotaciones tradicionales y consabidas asociadas al ritual, a lo mágico, al teatro y al disfraz, evidenciando su mutación de objeto en imagen artística. En una evolución de la máscara como objeto físico, como elemento tangible que se superpone a un rostro al que oculta o reemplaza, para abandonar progresivamente esa presencia detrás de ella, lo que acabará llevando a la pérdida de su materialidad, de independencia del rostro, y, en definitiva, a su

 

MÁSCARAS SOBRENATURALES

 

Durante las primeras vanguardias se advierte el creciente interés de los artistas por las máscaras rituales no occidentales como fuente de inspiración para quebrantar los códigos de representación figurativos y dotar a las obras de nuevos significados y variadas interpretaciones. La asimilación de principios estéticos asociados a lo «primitivo» –simplicidad, tosquedad, espiritualidad, hieratismo– supone en el arte moderno el abandono de las convenciones académicas de belleza y armonía, actuando la máscara a partir de entonces como una moderna síntesis del rostro humano.

 

Disparates de carnaval. A lo largo de la historia, los artistas han recurrido al empleo de máscaras y disfraces como estrategia para construir nuevas identidades. La fiesta del carnaval representa un ejemplo paradigmático de liberación colectiva de lo irracional a través de la máscara. Una forma de subvertir las normas y dar rienda suelta a los instintos más básicos. Estrategias afines las hallamos también en el ámbito del teatro, donde los personajes se enmascaran y protegen por una frontera física entre la realidad y la apariencia, en un universo que aúna lo grotesco, lo cómico y lo caricaturesco.

 

ROSTROS TRANSFIGURADOS

 

Como último eslabón en la genealogía enmascarada de la compleja identidad moderna encontramos los retratos en los que los rostros funcionan como máscaras «inhumanas», sin profundidad comunicativa. El triunfo de la

subjetividad, la ausencia de dogmas y el escaso interés por la búsqueda del parecido, propician un repertorio de identidades ambiguas, fragmentadas, desfiguradas, alienadas o encubiertas bajo el maquillaje. Son estos retratos «sin rostro» el paradigma adecuado para manifestar la contradictoria sociedad contemporánea.

 

CATÁLOGO BILINGUE

 

El catálogo, ilustrado con 147 láminas a color , cuenta con textos de los comisarios de la exposición Luis Puelles Romero, Profesor Titular de Estética y Teoría de las Artes de la UMA, de Lourdes Moreno, directora del Museo Carmen Thyssen Málaga, y con colaboraciones del equipo curatorial del Museo.

 

Imagen:
Walt Kuhn, Chico con chistera, 1948
Óleo sobre lienzo, 58,4 x 53,3 cm
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

 

En los siguientes enlaces puedes ver dos videos de la exposición:

 

https://www.carmenthyssenmalaga.org/multimedia/video/161

https://www.carmenthyssenmalaga.org/exposiciones/2020/Mascaras/vv/visita_virtual.html

 

Pablo Picasso, Estudio ,para ‘trois femmes’ 1908

 

 

Julio Gonzalez. Máscara austera. 1940

 

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29 Sep , 2020  

Esta entrada, prioritaria en nuestro plan editorial dadas las fechas de celebración, se la dedicamos a un evento al que Decoexplorer asiste desde su inicio, hace ahora un par de años, convertido en un importante evento sectorial en el Sur de Europa: Marbella Design.

 

Desde luego en la situación pandémica en la que nos encontramos es más que elogioso el esfuerzo por avanzar en el  fortalecimiento de un sector de gran interés.

 

DOS FERIAS EN UNA

Se trata de la tercera edición de Marbella Design 2020 y también la sexta edición de Art marbella que se celebran conjuntamente en el Palacio de Congresos, Ferias y Exposiciones de Marbella inaugurándose el 24 de septiembre y finalizando el 3 de octubre (Art Marbella) y el 5 de octubre (Marbella Design).

 

Tanto Marbella Design como la Feria Internacional de Arte Moderno, aplazadas por el  coronavirus, están organizadas en ambos casos Alejandro Zaia.

 

En este evento participan una veintena de interioristas de reconocido prestigio con una presencia importante del sector contract y el interiorismo de yates, como no puede ser de otra forma en Marbella. El director creativo de Marbella Design es Alfonso Castellón, especializado en hotelería.

 

Algunos otros nombres son los de Erico Navazo, Sara Folch, Nayra iglesias y Soledad Ordóñez.

Soledad Ordóñez es una de las diseñadora que más tiene él recorrido en el mundo del diseño de interiores y estará presente en el evento en el Estudio Bon Temps Les Spaces a través del que crea proyectos poderosos y elegantes. Para superar las necesidades de cada cliente juega con cualquier estilo de diseño y presenta ideas e inspiraciones.

A nadie se le escapa que Marbella Design 2020 se desarrolla en un contexto social y cultural especialmente complejo y delicado. En el  acto de apertura se dedicaron unas palabras de homenaje a las víctimas del coronavirus.

 

MARBELLA DE LOS AÑOS 60′

 

Esta edición está dedicada a la Marbella de los años 60 con lo que se ofrece un poco de optimismo en unas circunstancias tan difíciles como las que atravesamos y un mensaje de que seguro que los buenos tiempos y la normalidad volverán.

 

Entre las actividades previstas habrá una mesa de redonda “el diseño de interiores la utopía cotidiana” que estará moderada por Ianko Lopez

Tras este verano en el que todos han comprobado, si es que alguno no lo tenía claro aún, que el sector de la hostelería es esencial en una cultura como la nuestra (que va más allá de lo económico) y está atravesando un bache horroroso, motivo por el cual esta edición pone este sector en su punto de mira.

Otro protagonista de este año será la artesanía y la producción local ya que el evento quiere resaltar el trabajo de marcas, firmas y profesionales de toda la región.

En su corto espacio de tiempo solamente tres ediciones Marbella Design se ha convertido en un evento importante para el sector del interiorismo.

 

Puedes adquirirla en el siguiente enlace. También puedes ponerte en contacto a través de la dirección de correo electrónico: info@marbellafair.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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FUNDACIÓN LOUIS VUITTON PARÍS

22 Sep , 2020  

Si te interesa parís, la arquitectura y las artes plásticas, las líneas que siguen no te aportarán mucho más de lo que ya sabes, pero seguro que también podrás recrear todo ello reducidos como estamos desde hace meses a una vida liviana y vigilante. Yo mismo he recreado un viaje del que daba cuenta en este mismo magazine hace algo más de un año.

 

Dicen los parisinos que no se sabe si Bertrand Arnauld ha hecho un regalo a la ciudad de París o ha sido justo al revés.

 

La fundación Louis Vuitton, abrió al público el 27 de octubre del 2014 después de una compleja obra de varios años. En ella se alberga la colección permanente del propio Arnault, complementadas con exposiciones temporales.

 

Cabría destacar la selección de arte contemporáneo africano que fue la exposición estrella de 2017 en parís y coincidía con otra similar en la fundación Cartier.

 

El edificio se encuentra en el Bois de Boulogne, en la línea que va desde el Arc de la Defense hasta la Place de la Concorde, dejando entre media el Arc de Trionphe, Champs Elisee, el Grand Palais, etc. En definitiva, y como seguro sabían los promotores de la idea, una seña de identidad para el futuro de una ciudad inmortal.

 

El espacio, de 3850 metros cuadrados, fue diseñado por el audaz Frank Gehry, ganador del Pritzker en 1989, (autor también del museo Guggenheim de Bilbao).

 

El arquitecto revoluciona el uso del vidrio creando formas nunca vistas hasta ahora, y ofrece un edificio luminoso, ligero, único e innovador cubierto por una docena de grandes cristaleras retorcidas que otorgan volumen y profundidad espacial al edificio.

 

En mi opinión es una magistral deconstrucción de la propia torre Eiffel, el icono sempiterno de la ciudad, embutido en un kiosco decimonónico típicamente parisino.

 

Torre que se ve desde las terrazas del edificio, quizás la parte más atractiva del lugar ya que uno puede recorrer (incluso en escaleras mecánicas) las sinuosas líneas del edificio y disfrutar de increíbles vistas panorámicas desde las diferentes terrazas del edificio.

 

Hay quien dice que estos edificios de Gehry son pretenciosos y vanidosos (y pueden que sean opiniones acreditadas) (me he divertido leyendo una selección de criticas pésimas en Tripadvisor -solo un 2%) aunque me rindo a la evidencia de un magistral viaje arquitectónico y felicito a los ingenieros y arquitectos que han calculado la estructura.

 

Las obras de arte de las salas interiores rivalizaran siempre con el edificio como obra de arte a mayores. De hecho, una de las salas más visitadas del complejo es ‘le studio’ donde se proyecta la evolución del edificio desde su concepción hasta la finalización subrayando la fuerza expresiva del edificio y su complejidad tecnológica.

 

Cuenta con tienda, auditórium, y el estrellado Restaurante le Frank, cuyo chef, Jean-Louis Nomicos ha diseñado una oferta gastronómica acorde al lugar, ondulando y cambiando sofisticadamente cada hora del día.

 

Aunque prometí en el post original que volvería a la exposición de Basquiat y Egon Schiele, no lo he podido hacer. ¿Podré ir a la de Cindy Sherman?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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GALERÍA SABRINA AMRANI

8 Sep , 2020  

Amantes como somos del arte, siempre me alegra publicar una entrada acerca de una galería. Y la alegría de hoy es doble ya que, además de esta misma entrada, he podido conocer la Galería Sabrina Amrani ya que, confieso, entre las desventajas de mi condición de nómada una de ellas es no estar a la última en demasiadas cosas.

 

He llegado a la Galería de Sabrina Amrani a través de la obra de Chant  Avedisian, artista egipcio que me encanta y del que preparo una entrada para los próximos meses.

 

Cuál es mi sorpresa al descubrir que una gran parte de su obra está en España y su representante es Sabrina Amrani, como también lo son, entre otros artistas, Manal AlDowayan de Arabia Saudí, Amina Benbouchta de Marruecos, Zoulikha Bouabdellah de origen argelino, etc.).

 

La galería se fundó en 2011 y presta especial atención a las nuevas voces que están surgiendo en las regiones del Sur para compartir su trabajo con una audiencia global.

 

Sabrina es francesa de origen argelino, criada en una mezcla de culturas, tradiciones y hábitos que son comunes a la mayoría de los artistas con los que trabaja.

 

La galería participa regularmente en ferias relevantes, por supuesto ARCO, pero también en ArtInternational Istanbul, Art Dubai, Cape Town Art Fair, y la 1:54, la bienal dedicada al arte contemporáneo africano que se celebra en Nueva York, Londres y Marrakech.

 

La galería cuenta con dos espacios: uno, en Malasaña, y otro de reciente apertura en una nave de Carabanchel de 600 m2, en la calle Sallaberry, 52). Mientras, como presidenta de Arte Madrid está detrás de ‘Apertura’, el evento que inaugura la temporada expositiva de la capital y por medio del cual se pretende dinamizar el mercado artístico.

 

Este año, 2020, Apertura celebra su 11ª edición. Desde el jueves 10 de septiembre hasta el domingo 13 de modo que si estás en Madrid en esas fechas no puedes dejar de reservarte unas horas para participar es su programa de actividades.

 

*En la actualidad hay dos exposiciones: Topografía del borrado de la artista Gabriela Bettini, y Señal de abandono de Jorge Tacla.

 

Más información es:

 

https://www.artemadrid.com/apertura/

https://www.sabrinaamrani.com/

 

 

Fotografía de la artista marroquí Amina Benbouchta

 

Uno de lo épicos cuadros de Avedissan

 

Obra de la artista saudí Manal Alsawayan

 

 

Sabrina Amrani

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