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ARTES MAYORES Y MENORES. EUROPA Y ÁFRICA FRENTE A FRENTE

5 Mar , 2021  

En la inútil comparativa (desviada del foco real de la cuestión) con la que siempre lidiamos quienes estudiamos el exotismo en el arte y la decoración, hay un aspecto que sale a relucir con cierta frecuencia en la literatura especializada: artes mayores y artes menores.

 

*(Por suerte sale a relucir cada vez con menos regularidad).

 

La comparativa no deja de mostrar más que sometemos todo a exámenes y con estos dejamos en evidencia los valores artísticos sobre los que se ha asentado el arte en Europa y occidente.

 

Las precisiones que siguen la tortuosa relación histórica entre las denominadas artes mayores y menores son solo una mínima parte de un compendio de saberes que muestran la diferente mentalidad artística de Europa y África y que permiten superar antagonismos estériles y colocar un mundo y otro en el universo que a cada uno le corresponde.

 

Parece que la diferencia entre una y otra es el contacto físico y material con ellas. Mientras la pintura y la escultura no requieren contacto físico y bastaría tan solo el deleite de la observación intelectual, otras artes (a las que la historia ha puesto por nombre: menores) sí requieren un contacto físico y material. La decoración seria arte menor en la medida en que es vivida en contacto directo y permanente.

 

Una clasificación que implica, erróneamente en mi opinión, arte de primera y segunda división. Arte divino y arte mundano, alto y bajo…

 

De hecho, y con el ejemplo puede percibirse el abismo entre Europa y África, el arte mayor en esta última sí ha requerido el contacto físico con la obra ya que jamás se produjeron para el deleite visual solamente, sino que implicaban también una finalidad (como la escultura por ejemplo, cuya finalidad es ritual en muchos casos).

 

Contrariamente, la pintura no es un arte muy representativo de las manifestaciones tradicionales de África. La cestería y orfebrería son también otras artes menores que han tenido predicamento en África. La arquitectura sería otro arte menor en esta relación de definiciones.

 

Esto muestra igualmente la distancia cultural existente entre África y Europa por lo que los parámetros que pueden servirnos aquí para clasificar como bueno o malo, bonito o feo, no son válidos en África.

 

 

 

 

 

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TINGATINGA

5 Feb , 2021  

He pasado muchas veces delante de ellos, y no solo en Tanzania, sino a lo largo y ancho del continente. Algunos me parecían horrorosos y otros de una candidez tremenda.

 

Me refiero a pinturas del género ‘tinga-tinga’, una especie de surrealismo naif al estilo africano.

 

Debo confesar que dentro de lo caricaturesco que me parecen estas pinturas, creo que muchas tienen un verdadero valor pictórico. A veces me recuerdan a Escher con esos animales entrelazados creando un patrón.

 

Un estilo pictórico que lleva el nombre del pintor Edward Said Tingatinga, primer artista en realizar este tipo de obras y posteriormente fundador de la Sociedad Cooperativa de Arte Tingatinga, en la que se formaron desde la segunda mitad del siglo XX muchos otros artistas jóvenes de Dar es Salaam (Tanzania) y que posteriormente se extendió a la mayor parte de Tanzania, Kenia y los países de África oriental.

 

Un estilo ingenuo y surrealista lleno de colores brillantes y saturados que muestra con sarcasmo los grandes estereotipos de la vida corriente de África así como como la fauna salvaje o los paisajes de la sabana.

 

ORIGEN TRADICIONAL

 

Algunos marchantes e historiadores indican que Edward Tingatinga podría haber estado influido por la decoración tradicional de las paredes de las cabañas de los pueblos Makonde (se han documentado esas pinturas realizadas en Dar es Salaam por emigrantes de esos aguerridos pueblos del norte de Mozambique. (Se dice que muchos de los recursos para financiar las guerrillas de la frelimo contra la presencia colonial de Portugal en Mozambique procedía de la venta de etas obras.)

 

De hecho, cuando se trasladó a Dar Es Salaam para ganarse la vida, antes de dedicarse por entero a la pintura, Tingatinga decoró las paredes de un par de casas a cambio de una remuneración antes de empezar a pintar sobre tablas de albañilería.

 

LA ESCUELA TINGATINGA

 

Debido a su corta vida artística, Tingatinga sólo dejó un número relativamente pequeño de cuadros, muy apreciados por los coleccionistas.

 

En la década de 1990 surgieron nuevas tendencias dentro del estilo Tingatinga, en respuesta a las transformaciones que estaba experimentando la sociedad tanzana tras la independencia.

 

Se introdujeron nuevos temas relacionados con la nueva sociedad urbana y multiétnica de Dar es Salaam (por ejemplo, calles y plazas abarrotadas y concurridas), junto con ocasionales novedades técnicas (como el uso de la perspectiva).

 

Muchos elementos del estilo están orientados al turismo (cuadros pequeños para que puedan transportarse fácilmente, el tema de la a fauna salvaje pensada para atraer a europeos americanos..

 

LEGADO POSTERIOR

 

Uno de los pintores más conocidos de la segunda generación de Tingatinga es Simon Mpata cuñado del propio Edward.

 

Aunque no fue alumno de la escuela Tingatinga, el  artista tanzano George Lilanga, si frecuentaba a esos artistas como se refleja en su obra (como ha admitido él mismo).

 

El arte de Lilanga se asemeja a Tingatinga también en el  uso de colores vibrantes y la composición

 

La evolución de este estilo se transformó en la creación de un nuevo grupo: Slipway

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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CREACION Y RECREEACION

11 Dic , 2020  

Estas palabras tratan de la individualidad, del valor, del progreso.

 

NADA NACE DE LA NADA

 

Pensar que, espontáneamente, algo surgirá de la nada (si es que somos capaces de albergar que es eso de la nada y si existe realmente) es un planteamiento absurdo. Quienes crean en Dios podrán atribuirle a Él esa capacidad, si quieren (Dios, precisamente un espíritu de la Nada). Sin embargo, incluso ellos, negarían tal capacidad a ser humano alguno. Nadie puede hacer aparecer cosa alguna allí donde nada existe.

 

TODO NACE DEL TODO

 

Nuestro infinito, el infinito de los hombres y mujeres de nuestro tiempo (aunque sigue siendo finito) abarca los límites del universo conocido e intuido. Y dentro de esos límites, todo es algo. Y por tanto toda cosa nueva lo es procedente de existencias anteriores. Existe un lugar, un momento… Hablar de creación es por ello, en su profundo significado, una nadería. Existe, eso si, la re-creación, las mil y una versiones de las mil combinaciones del todo. Cada cosa nueva es una síntesis de elementos precedentes.

 

El pintor combina los elementos que tiene delante de si (las distintas técnicas, las diferentes herramientas, la hª del arte…) y desemboca en algo mas o menos único, mas o menos singular, pero no hace aparecer en la nada cosa alguna. El cocinero re-crea alguna receta combinando los ingredientes y técnicas a su disposición. El científico llega a conclusiones partiendo de equipos y conocimientos preexistentes. El escritor combina los estilos literarios partiendo de una sensibilidad fruto de una cultura precedente a su disposición.

 

NADA NACE DE LA NADA. TODO NACE DEL TODO.

 

Hasta el momento, después de miles de años, de historia, la humanidad todavía utiliza sólo una inteligencia práctica y útil, orientada a sus objetivos de supervivencia. El inteligente es el que soluciona su problema inminente. Pero ya deja de ser eficaz esa formula. La historia se haya en crisis de madurez. Ahora pensamos en nosotros mismos y la única inteligencia posible es la inteligencia global, unificadora, creativa.

 

La creatividad no es una especial habilidad para dar soluciones imaginativas a determinados acontecimientos, sino un estado de beatitud. Piensa en una tarde de primavera, absorto, en un pequeño jardín, entregado a la tierra, al color de las flores, a la forma de los arbustos. Piensa en un paseo delicioso en el que se oye el sereno murmullo de la eternidad. Ese es el estado creativo, en el que todo nosotros somos una única inteligencia integradora. Y TODO NACE DEL TODO.

 

Así los genios, son personajes fruto de una época atrapada en la inteligencia práctica. Cargando su saco colmado de ideas útiles. Reservadas para si como salvoconducto en un mundo elemental. El genio de hoy es un ser total, conectado con el todo, en continuo proceso de intercambio con el todo. La genialidad no es ya personalista, ni recibe el reconocimiento como pago. Es humilde, liberadora de si misma y de su entorno, sencilla, arrebatadora, vehemente. La genialidad se halla frente a una quimera eterna, ante un complejo de alternativas, ambigüedades y confusiones. Sin embargo ambos genios compartían ese punto de santidad en el que se concentra el pasado, el presente y el futuro y del que partían las conexiones infinitas con el todo.

 

La creatividad es un acto gratuito para el que solo se requiere la valentía en un espíritu libre y puro.

 

 

 

 

 

 

 

 

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DAR MOHA MARRAKECH

20 Nov , 2020  

El año pasado, después de muchos intentos frustrados por la rapidez del viaje y las abundantes y tentadoras propuestas de Marrakech, logramos una reserva en Dar Moha, uno de los más afamados restaurantes de Marruecos.

 

Mohamed Fedal, chef y propietario, es una eminencia en ese pais. Un revolucionador de la cocina tradicional marroquí a la que ha pretendido modernizar y abrir sus horizontes. Quizás la comparación con Ferran Adria sea exagerada aunque la referencia es muy descriptiva. (El verdadero equivalente a El Bulli sin embargo está en Fez y se llama Nur 7 -Incluso Najat Kaanache, chef y propietaria, formó parte del equipo de Ferran Adria y ha dejado en su cocina buena cuenta de lo que, en materia de fusión gastronómica y de autor aprendió en Rosas.)

 

Volviendo a Dar Moha, el restaurante se encuentra en un lugar preeminente a la entrada de la medina (Dar El Bacha). En un hermoso riad en el que la piscina y el jardín que la rodea ejercen como epicentro del mismo. El riad lo levantó el secretario del Pacha Glaoui y años después lo compró Pierre Balmain, el diseñador de moda, quien lo habitó durante años antes de reconvertirse en restaurante.

 

La jefa de sala, esposa de Fedal, gestiona el servicio de mesas magistralmente, consiguiendo que la experiencia sea merecedora de la visita y de la popularidad del restaurante. También los buenos músicos gnaoua que añaden al ambiente una personalidad que te lleva aun más a las profundidades de la cultura alaoui.

 

Dicho esto, si nos atenemos a los criterios europeos de restauración a los que aspira el chef, Dar Moha no deja de ser un restaurante interesante, agradable, grato, cautivador… etc. Claro que, según los cánones marroquíes, con escaso acervo en cocina moderna (algo que a muchos alegra), incluso alejada de esta y basada en la tradición, en ese caso, Dar Moha es un restaurante valiente e innovador.

 

Quizás lo mejor del menú degustación sean los entrantes, un despliegue de la huerta marroquí bien trabajada y excelentemente presentada. Los platos principales: tajines, pastelas, etcétera, por mucho que traten de introducir en ellos algún elemento disruptivo, no dejan de ser los platos omnipresentes que son a lo largo y ancho de la geografía de Marruecos.

 

La carta de vinos es buena aunque, como en todos los países islámicos, de precios desorbitados. Los vinos grises son siempre la mejor opción en Marruecos.

 

Un detalle que me encantó fue el suelo cubierto en su totalidad por alfombras chichaoua de un rojo intensos. Esas alfombras, bajo la denominación de ‘alfombras del medio atlas’, siempre han estado en el catalogo de The African Touch desde sus comienzos. (Para mí son las mejores del mundo: no hay nudo semejante, si color mas autentico, y además son salvajemente tribales y elegantes).

 

De modo que recomiendo Dar Moha como experiencia cautivadora por lo que significa para el  lifestyle marroquí aunque advertidos de que en materia de cocina no lo juzguemos con los exigentes estándares europeos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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ONLY FOR MEN: BULAWAYO CLUB

6 Nov , 2020  

Conocía el club pero no imaginaba que sería uno de los momento más memorables de mis viajes por el continente.

 

Y es que la verdadera memoria de África no estaba al pie de las colinas de Ngong en Kenia, sino más al sur, en la segunda ciudad de Zimbabue: Bulawayo.

 

Los ndebele fundaron esta ciudad a mediados del siglo XIX. Los ingleses, considerando que los acuerdos de explotación minera que Cecil Rhodes pactó con el rey Lobengula  les otorgaban derechos añadidos, expulsaron en 1893 a sus habitantes originales.

 

Desde entonces reprodujeron en la ciudad el imaginario colonial británico del que este club de caballeros es uno de sus gloriosos vestigios. Fue fundado en 1895. Un edificio bien proporcionado, de estilo ligeramente victoriano aunque adaptado a la situación geográfica (lo que le añadía patios, verandas, revestimientos de yeso blanco, etc.) y de amplios espacios interiores.

 

En origen era un club ‘only for men’ como tantos otros en la Inglaterra de la época. Centros de reunión donde los socios compartían intereses y experiencias comunes, sobre todo en esta zona del mundo, tan alejadas de la metrópoli.

 

Sus integrantes eran funcionarios, militares y representantes de la sociedad civil destacados en la colonia.

 

Disponía el club, eso si, de una sala en la que los socios podían reunirse con personas ajenas a él, y pienso que en general serian bastante relajados con las prohibiciones de acceso si tenemos en cuenta el vaivén de desplazados a la zona en cortas temporadas que llevarían noticias y novedades culturales desde Europa a tan remoto territorio.

 

De hecho, y a juzgar por la diversidad de salas del club, los intereses de sus miembros no se limitaban a la política. También giraban en torno a los deportes, la cocina, los safaris, etc.

 

Eso si, lo que es relajado en normas suele ser ufano en lo cultural. Así, aun quedan numerosos ejemplos en sus paredes indicando el estricto ‘dress code’ que debían atender miembros y visitantes, además de las numerosas muestras de respeto a su monarquía.

 

Entrar en el Club Bulawayo es retroceder en el tiempo. Suelos de madera crujientes, amplios salones dedicados a los torneos de polo, a los trofeos obtenidos en los safaris, a las banderas y simbología de las distintas armas y regimientos… cada uno con su mobiliario a medida: vitrinas, alacenas, sillas y sillones en terciopelo en el más puro estilo inglés.

 

Un mundo ido que a veces se resiste a irse del todo en algunos lugares y nos hace comprender que a pesar de los pesares, el mundo evoluciona y hemos de dejar ir cosas que nos resultan dulces.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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29 Sep , 2020  

Esta entrada, prioritaria en nuestro plan editorial dadas las fechas de celebración, se la dedicamos a un evento al que Decoexplorer asiste desde su inicio, hace ahora un par de años, convertido en un importante evento sectorial en el Sur de Europa: Marbella Design.

 

Desde luego en la situación pandémica en la que nos encontramos es más que elogioso el esfuerzo por avanzar en el  fortalecimiento de un sector de gran interés.

 

DOS FERIAS EN UNA

Se trata de la tercera edición de Marbella Design 2020 y también la sexta edición de Art marbella que se celebran conjuntamente en el Palacio de Congresos, Ferias y Exposiciones de Marbella inaugurándose el 24 de septiembre y finalizando el 3 de octubre (Art Marbella) y el 5 de octubre (Marbella Design).

 

Tanto Marbella Design como la Feria Internacional de Arte Moderno, aplazadas por el  coronavirus, están organizadas en ambos casos Alejandro Zaia.

 

En este evento participan una veintena de interioristas de reconocido prestigio con una presencia importante del sector contract y el interiorismo de yates, como no puede ser de otra forma en Marbella. El director creativo de Marbella Design es Alfonso Castellón, especializado en hotelería.

 

Algunos otros nombres son los de Erico Navazo, Sara Folch, Nayra iglesias y Soledad Ordóñez.

Soledad Ordóñez es una de las diseñadora que más tiene él recorrido en el mundo del diseño de interiores y estará presente en el evento en el Estudio Bon Temps Les Spaces a través del que crea proyectos poderosos y elegantes. Para superar las necesidades de cada cliente juega con cualquier estilo de diseño y presenta ideas e inspiraciones.

A nadie se le escapa que Marbella Design 2020 se desarrolla en un contexto social y cultural especialmente complejo y delicado. En el  acto de apertura se dedicaron unas palabras de homenaje a las víctimas del coronavirus.

 

MARBELLA DE LOS AÑOS 60′

 

Esta edición está dedicada a la Marbella de los años 60 con lo que se ofrece un poco de optimismo en unas circunstancias tan difíciles como las que atravesamos y un mensaje de que seguro que los buenos tiempos y la normalidad volverán.

 

Entre las actividades previstas habrá una mesa de redonda “el diseño de interiores la utopía cotidiana” que estará moderada por Ianko Lopez

Tras este verano en el que todos han comprobado, si es que alguno no lo tenía claro aún, que el sector de la hostelería es esencial en una cultura como la nuestra (que va más allá de lo económico) y está atravesando un bache horroroso, motivo por el cual esta edición pone este sector en su punto de mira.

Otro protagonista de este año será la artesanía y la producción local ya que el evento quiere resaltar el trabajo de marcas, firmas y profesionales de toda la región.

En su corto espacio de tiempo solamente tres ediciones Marbella Design se ha convertido en un evento importante para el sector del interiorismo.

 

Puedes adquirirla en el siguiente enlace. También puedes ponerte en contacto a través de la dirección de correo electrónico: info@marbellafair.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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FUNDACIÓN LOUIS VUITTON PARÍS

22 Sep , 2020  

Si te interesa parís, la arquitectura y las artes plásticas, las líneas que siguen no te aportarán mucho más de lo que ya sabes, pero seguro que también podrás recrear todo ello reducidos como estamos desde hace meses a una vida liviana y vigilante. Yo mismo he recreado un viaje del que daba cuenta en este mismo magazine hace algo más de un año.

 

Dicen los parisinos que no se sabe si Bertrand Arnauld ha hecho un regalo a la ciudad de París o ha sido justo al revés.

 

La fundación Louis Vuitton, abrió al público el 27 de octubre del 2014 después de una compleja obra de varios años. En ella se alberga la colección permanente del propio Arnault, complementadas con exposiciones temporales.

 

Cabría destacar la selección de arte contemporáneo africano que fue la exposición estrella de 2017 en parís y coincidía con otra similar en la fundación Cartier.

 

El edificio se encuentra en el Bois de Boulogne, en la línea que va desde el Arc de la Defense hasta la Place de la Concorde, dejando entre media el Arc de Trionphe, Champs Elisee, el Grand Palais, etc. En definitiva, y como seguro sabían los promotores de la idea, una seña de identidad para el futuro de una ciudad inmortal.

 

El espacio, de 3850 metros cuadrados, fue diseñado por el audaz Frank Gehry, ganador del Pritzker en 1989, (autor también del museo Guggenheim de Bilbao).

 

El arquitecto revoluciona el uso del vidrio creando formas nunca vistas hasta ahora, y ofrece un edificio luminoso, ligero, único e innovador cubierto por una docena de grandes cristaleras retorcidas que otorgan volumen y profundidad espacial al edificio.

 

En mi opinión es una magistral deconstrucción de la propia torre Eiffel, el icono sempiterno de la ciudad, embutido en un kiosco decimonónico típicamente parisino.

 

Torre que se ve desde las terrazas del edificio, quizás la parte más atractiva del lugar ya que uno puede recorrer (incluso en escaleras mecánicas) las sinuosas líneas del edificio y disfrutar de increíbles vistas panorámicas desde las diferentes terrazas del edificio.

 

Hay quien dice que estos edificios de Gehry son pretenciosos y vanidosos (y pueden que sean opiniones acreditadas) (me he divertido leyendo una selección de criticas pésimas en Tripadvisor -solo un 2%) aunque me rindo a la evidencia de un magistral viaje arquitectónico y felicito a los ingenieros y arquitectos que han calculado la estructura.

 

Las obras de arte de las salas interiores rivalizaran siempre con el edificio como obra de arte a mayores. De hecho, una de las salas más visitadas del complejo es ‘le studio’ donde se proyecta la evolución del edificio desde su concepción hasta la finalización subrayando la fuerza expresiva del edificio y su complejidad tecnológica.

 

Cuenta con tienda, auditórium, y el estrellado Restaurante le Frank, cuyo chef, Jean-Louis Nomicos ha diseñado una oferta gastronómica acorde al lugar, ondulando y cambiando sofisticadamente cada hora del día.

 

Aunque prometí en el post original que volvería a la exposición de Basquiat y Egon Schiele, no lo he podido hacer. ¿Podré ir a la de Cindy Sherman?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Decoración y arquitectura

ARQUITECTURA TRADICIONAL DEL NORTE DE ÁFRICA Y EL MAGREB ISLÁMICO

9 Jun , 2020  

El estilo norteafricano es uno de los más atractivos e integradores de la actualidad. La mayor parte de la decoración africana es específicamente morisca. Se trata de un modelo constructivo más estable, menos efímero que el estándar africano.

 

La propia naturaleza social del norte de África formada a partir de pequeñas tribus y comunidades sin régimen institucional alguno y en permanente estado de conflicto territorial hace del estilo morisco un estilo endogámico en el que todo se cierra hacia adentro y no se abre hacia afuera como en África central. Un estilo fortificado en el que predominan las construcciones amuralladas de muros gruesos.

 

Pero sobre todo está notablemente influida por la religión islámica y las costumbres y hábitos que esta ha ido destilando en las sociedades musulmanas a lo largo de su historia.

 

Es importante conocer los diversos tipos de construcciones característicos del norte de África que iremos recorriendo una a una a lo largo de las próximas entradas.

 

 

 

 

 

 

 

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Bill Willis: rey del orientalismo.

12 May , 2020  

Bill Willis es uno de los grandes nombres del interiorismo moruno. Quizás su ‘inventor’ y desde luego el que revitalizó la artesanía marroquí y la convirtió desde entonces en elemento obligado en cualquier ambiente sofisticado.

 

Llego a la decoración de forma casual cuando alguien le propuso gestionar una galería de antigüedades en Roma, galería que alcanzo gran éxito gracias a su eclecticismo y le catapultó a la fama como una de las personalidades del mundo de la decoración.

 

En 1966 se trasladó a Marrakech para decorar el Palacio Zahia que adquirió Paul Getty consiguiendo un interiorismo espectacular que impactó a las celebrities que participaban en continuas fiestas que levaban el espíritu del ‘sexo, drogas y rock and roll’.

 

Willis ya nunca dejó Marruecos. Aquello le hizo famoso y todas las personalidades querían que Willis decorase sus casas y los empresarios sus restaurantes y hoteles.

 

Fue el pionero de un estilo nuevo que mezclaba las tradiciones artesanas de Marruecos (incluyendo la recuperación del revestimiento de tadelakt, azulejos y arcos de medio punto) con el glamour occidental de los años 50.

 

Su propia casa, Dar Noujoum, era un laboratorio de opulencias inspiradas en su amada Alhambra de Granada. La cocina de su casa estaba revestida de franjas verdes y naranjas de tadelakt. Ademas de eso, bordados, pufs de cueros, mesas de zelliges,

 

Una atmósfera mágica, bohemia y sin embargo muy masculina que le hace merecedor del título de rey del orientalismo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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MUSEO VAN BUUREN

28 Abr , 2020  

El Museo Van Buuren en Bruselas se encuentra en la propia casa de la pareja de mecenas Van Buuren (calle Leo Errerastraat 4). Se trata de una casa que ejemplifica el art deco en la que, como decoración, se exhibe una gran colección de arte africano, tanto las piezas originales del matrimonio Van Buuren, como piezas que se han añadido de otras colecciones privadas.

 

De origen holandés, David Van Buuren (1886-1955) llegó a Bruselas en 1909 como financiero. En 1920 se casó con Alice Piette (1890-1973),

 

El edificio de estilo Art Deco está cuidado hasta el más mínimo detalle. Alrededor de la casa hay unos hermosos jardines como el  llamado Art-Decoroz del paisajista Jules Buyssens, el Laberinto o el romántico Jardín secreto del corazón de René Pechère.

 

En esta misma casa vivieron durante 30 años entregados al Art Deco y al Arte Tradicional Africano, artes que apoyaron durante toda su vida. A partir de 1970 Alice creo la Fundación a la que donó la casa, las obras de arte y los jardines contiguos.

 

También tiene una impresionante colección de pinturas de artistas famosos de los 19 del siglo a la 20 ª siglo: el entorno de Pieter Brueghel el Viejo, James Ensor, Henri Fantin-Latour, Constant Permeke y Gustave van de Woestyne.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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