Arte,Decoración y arquitectura,The African World

ARTES MAYORES Y MENORES. EUROPA Y ÁFRICA FRENTE A FRENTE

5 Mar , 2021  

En la inútil comparativa (desviada del foco real de la cuestión) con la que siempre lidiamos quienes estudiamos el exotismo en el arte y la decoración, hay un aspecto que sale a relucir con cierta frecuencia en la literatura especializada: artes mayores y artes menores.

 

*(Por suerte sale a relucir cada vez con menos regularidad).

 

La comparativa no deja de mostrar más que sometemos todo a exámenes y con estos dejamos en evidencia los valores artísticos sobre los que se ha asentado el arte en Europa y occidente.

 

Las precisiones que siguen la tortuosa relación histórica entre las denominadas artes mayores y menores son solo una mínima parte de un compendio de saberes que muestran la diferente mentalidad artística de Europa y África y que permiten superar antagonismos estériles y colocar un mundo y otro en el universo que a cada uno le corresponde.

 

Parece que la diferencia entre una y otra es el contacto físico y material con ellas. Mientras la pintura y la escultura no requieren contacto físico y bastaría tan solo el deleite de la observación intelectual, otras artes (a las que la historia ha puesto por nombre: menores) sí requieren un contacto físico y material. La decoración seria arte menor en la medida en que es vivida en contacto directo y permanente.

 

Una clasificación que implica, erróneamente en mi opinión, arte de primera y segunda división. Arte divino y arte mundano, alto y bajo…

 

De hecho, y con el ejemplo puede percibirse el abismo entre Europa y África, el arte mayor en esta última sí ha requerido el contacto físico con la obra ya que jamás se produjeron para el deleite visual solamente, sino que implicaban también una finalidad (como la escultura por ejemplo, cuya finalidad es ritual en muchos casos).

 

Contrariamente, la pintura no es un arte muy representativo de las manifestaciones tradicionales de África. La cestería y orfebrería son también otras artes menores que han tenido predicamento en África. La arquitectura sería otro arte menor en esta relación de definiciones.

 

Esto muestra igualmente la distancia cultural existente entre África y Europa por lo que los parámetros que pueden servirnos aquí para clasificar como bueno o malo, bonito o feo, no son válidos en África.

 

 

 

 

 

, , , , , , , ,

Gentes,Moda y estilo

IMANE AYISSI

12 Feb , 2021  

Debo reconocer que, a pesar del interés que siempre muestro por los diseñadores de moda africanos (algunos de ellos ya han aparecido en este blog así como otros diseñadores occidentales con un toque afro), no conocía a Imane Ayissi hasta que por ventura de las RRSS me topé con su obra y biografía. Obra y biografía que por supuesto he ido investigando con interés.

 

Claro, que podría haberle dedicado esta entrada al Imane Ayissi, actor, modelo, bailarín… Aunque parece ser que en su trabajo como modisto ha alcanzado grandes éxitos de entre todas estas actividades.

 

Fue miembro del Ballet Nacional de Camerún y realizó giras con cantantes y coreógrafos, como Patrick Dupont y otros cantantes y coreógrafos lo que le llevó a recorrer los cuatro rincones del mundo.

 

Cuando se trasladó a Francia en la década de 1990 trabajó como modelo presentando las colecciones masculinas de marcas Cardin, Dior, Lanvin, Givenchy, Yves Saint-Laurent y Valentino.

 

También ha sido objeto de reportajes de moda, campañas publicitarias y proyectos artísticos en sesiones de moda de famosos fotógrafos.

 

AYISSI, DISEÑADOR DE MODA

 

Fundó su propia marca en 2004 y es el primer diseñador africano que presenta sus diseños en la pasarela de la alta costura de París (sólo otros dos diseñadores africanos han desfilado en esta pasarela: Alphadi (Nigeria) en 2004 y Noureddine Amir (Marruecos) en 2018). Es miembro invitado de la Chambre Syndicale de la Haute Couture.

 

Las prendas de las líneas «Couture» y prêt-à-porter de Imane Ayissi fusionan las tradiciones y realidades africanas con la moda occidental. Sus influencias son Cristóbal Balenciaga, Yves Saint Laurent o Azzedine Alaïa.

 

Ayissi muestra a través de sus colecciones su versión compleja, moderna y sofisticada de África y enseña lo diversas y compleja que son las culturas africanas.

 

Sus colecciones, a menudo con nombres exóticos y evocadores (Voodoo Mood, Idoutt…) combinan la artesanía, los materiales y las inspiraciones artísticas tradicionales africanas con el uso de tejidos innovadores. A menudo también hay una infusión de trabajo de bricolaje o reciclaje típicamente africano con referencias a la Alta Costura y a la creatividad contemporánea para crear una moda dirigida a un público internacional.

 

Sus prendas que le dan una vuelta de tuerca a los tejidos más tradicionales como el Kente de Ghana, la rafia de Madagascar en las orillas de vestidos estilo caftán; obom (tela hecha con la corteza de los árboles) convertida en adornos florales; chaquetas de bògòlanfini (una tela de Mali teñida con barro fermentado) y ndop (un tejido resistente teñido con índigo, de Camerún).

 

Colabora habitualmente con otras marcas de lujo (creó una línea de vestidos para la presentación de la colección de joyas y accesorios Swarovski en el Carousel de Louvre de París en 2004), pero también con marcas más accesibles como Multiples (una marca francesa de pret-à-porter que vende a precios asequibles) o La Redoute.

 

ESPIRITU RENACENTISTA

 

Este espíritu renacentista se debe en gran medida a su familia de artistas y deportistas: su padre Jean-Baptiste Ayissi Ntsama fue campeón de boxeo y su madre Julienne Honorine Eyenga Ayissi, la primera mujer coronada Miss Camerún tras la independencia del país. Sus hermanos también son bailarines y cantantes.

 

Se interesó por la moda cuando era niño en Camerún (allí hizo sus primeras prendas para su madre y posteriormente para uno de los mayores ateliers del país).

 

Imane Ayissi también participa en proyectos de formación en el ámbito de la moda y en la creación de una industria textil destinada a favorecer el crecimiento económico de África y, en particular, de Camerún.

 

 

 

 

 

 

 

, , , , ,

Decoración y arquitectura,Historia africana,Moda y estilo

BENDITO BOGOLÁN

22 Ene , 2021  

En decoración, a veces, podemos valernos de piezas que son mucho más que eso. Son hermosos pedazos de historia y antropología que, de un modo u otro, otorgan a nuestros espacios una dimensión que trasciende la estética.

 

La colección de cojines bogolán que están a la venta en la web de The African Touch, tienen ese espíritu heterogéneo que siempre buscamos. Queremos que nuestras piezas trasciendan las tendencias y no vengan ni vayan hacia ninguna época.

 

El bogolán es una de las telas más conocidas en África. Esta tela tiene una gran importancia en la región del Sahel desde hace siglos pero recientemente está alcanzando fama mundial gracias a la impresionante demanda en África, Europa y Estados Unidos desde que en los años setenta se editara comercialmente en conmemoración del Festival de Cine de Bamako.

 

Al bogolán también se llama, de forma muy descriptiva, paño de barro de Mali.

 

Originalmente la fabricaban las mujeres de la tribu Bamún, establecida en la región de Djenné, en Mali.

 

Esta tela, tejida en bandas de algodón, y decorada con motivos geométricos blanco sobre fondo negro, se usaba para confeccionar ropa de mujer. Tradicionalmente era la tela con las que vestían las mujeres con la menstruación, embarazadas o con riesgo de perder sus hijos ya que, según las fabulas tradicionales, su dureza y grosor mantenían alejados los espíritus malignos. Es un tejido protector.

 

El paño se sumerge primero en una decocción de hojas de árboles galman y tjankara que contienen muchos taninos con los que adquiere un tono amarillo profundo.

 

Los motivos geométricos se aplican directamente sobre la tela con la base de una botella o recipiente similar. Posteriormente se cubre de barro alrededor del motivo aplicándolo con un cuchillo o espátula metálica ya que el óxido del metal y el barro entran en reacción con el  ácido tánico produciendo un fondo negro. El barro se lava posteriormente y las partes amarillas se decoloran con una solución de sosa cáustica.

 

Siguiendo el  mismo método de fabricación, en la actualidad también se encuentran estampados negros sobre fondo blanco y tonos terrosos y ocres.

 

La producción se concentra en la ciudad de San al norte de Bamako donde el  equipo de compras de The African Touch los selecciona personalmente para posteriormente realizar la colección de cojines y tapizados.

 

 

 

 

, , , , , , ,

The African World

LA CULTURA ZULÚ A TRAVÉS DE CUENTAS DE COLORES

4 Feb , 2020  

‘Speaking with beads’ es un libro de Jean Morris y Eleanor Preston-Whyte (editado hace unos 25 años) que llegó a mis manos recientemente aunque había estado en mi lista de deseos de Amazon aguardando un montón de años.

 

Se trata de un documento fotográfico y antropológico de la rica ornamentación basada en las pequeñas cuentas de plástico que numerosas poblaciones del sur de África usan para expresar su propia identidad.

 

Su título es, no obstante, mucho más trascedente ya que me lleva a pensar en la verdadera importancia que las cuentas tienen para la identidad africana. Cuentas de todo tipo, no solo de plástico. Pensemos en cauris por lo pronto, así como cuentas de metal de los akan, de cristal de los Ashanti, etc.

 

Antiguamente las cuentas se hacían de barro, madera, conchas, dientes de animales… y se combinaban sobre las pieles de animales durante las ceremonias y rituales. Eran símbolo de distinción.  Aunque su valor no era solo político sino también económico (durante mucho tiempo se pagaba con cuentas a chamanes y doctores, dotes de boda, etc.)

 

A finales del siglo  empezaron a llevarse cuentas desde Europa. De cristal, de metal y  de plástico. La aristocracia zulú empezó a usarlas por aquel entonces y fue extendiéndose a toda la sociedad. Relatan que el rey Dingaan, sucesor de Shaka, residía en un edificio cuyos postes estaban recubiertos de cuentas.

 

Las mujeres en particular iniciaron toda una rica ‘joyería’ propia que llevarían después a la ornamentación de sus prendas. Los dibujos de los exploradores del xviii y xix evidencian que el uso de las cuentas en la indumentaria zulú estaba muy extendida.

 

Dada su demanda las cuentas de platico de colores empezaron a  producirse en Sudáfrica con la consecuente bajada de precio

 

EL PRESENTE DE LAS CUENTAS

 

Con el paso del tiempo el uso de cuentas forma parte intrínseca del imaginario zulú aunque como es de imaginar su uso en las ciudades está muy reducido. En pueblos es más visible aunque tampoco es una indumentaria de uso habitual. Se ha trasladado a cofradías o agrupaciones que lo reivindican con parte de la cultura zulú y aprovechan para identificar subgrupos. Especialmente en grupos cristianos (y lo que ello conlleva de aceptación de la cultura occidental).

 

El trabajo de confeccionar con cuentas es de las mujeres (bien de forma individual o colectiva) y de ambas maneras se expresan numerosas cosas como grupos y subgrupos a los que se pertenece, estado civil, etc. Los hombres son más recatados y el uso de cuentas entre estos no es tan significativo como en las mujeres, sin embargo llevar hoy cualquier elemento con cuentas significa tener presente la cultura tradicional.

 

 

 

 

 

 

, , , , , , , , , , , ,

Arte

BOGOLÁN: EL TEJIDO PROTECTOR

17 Dic , 2019  

En decoración, a veces, podemos valernos de piezas que son mucho más que eso. Son hermosos pedazos de historia y antropología que, de un modo u otro, otorgan a nuestros espacios una dimensión que trasciende la estética.

 

La colección de cojines bogolán que están a la venta en la web de The African Touch, tienen ese espíritu heterogéneo que siempre buscamos. Queremos que nuestras piezas trasciendan las tendencias y no vengan ni vayan hacia ninguna época.

 

El bogolán es una de las telas más conocidas en África. Esta tela tiene una gran importancia en la región del Sahel desde hace siglos pero recientemente está alcanzando fama mundial gracias a la impresionante demanda en África, Europa y Estados Unidos desde que en los años setenta se editara comercialmente en conmemoración del Festival de Cine de Bamako.

 

Al bogolán también se llama, de forma muy descriptiva, paño de barro de Mali.

 

Originalmente la fabricaban las mujeres de la tribu Bamún, establecida en la región de Djenné, en Mali.

 

Esta tela, tejida en bandas de algodón, y decorada con motivos geométricos blanco sobre fondo negro, se usaba para confeccionar ropa de mujer. Tradicionalmente era la tela con las que vestían las mujeres con la menstruación, embarazadas o con riesgo de perder sus hijos ya que, según las fabulas tradicionales, su dureza y grosor mantenían alejados los espíritus malignos. Es un tejido protector.

 

El paño se sumerge primero en una decocción de hojas de árboles galman y tjankara que contienen muchos taninos con los que adquiere un tono amarillo profundo.

 

Los motivos geométricos se aplican directamente sobre la tela con la base de una botella o recipiente similar. Posteriormente se cubre de barro alrededor del motivo aplicándolo con un cuchillo o espátula metálica ya que el óxido del metal y el barro entran en reacción con el  ácido tánico produciendo un fondo negro. El barro se lava posteriormente y las partes amarillas se decoloran con una solución de sosa cáustica.

 

Siguiendo el  mismo método de fabricación, en la actualidad también se encuentran estampados negros sobre fondo blanco y tonos terrosos y ocres.

 

La producción se concentra en la ciudad de San al norte de Bamako donde el  equipo de compras de The African Touch los selecciona personalmente para posteriormente realizar la colección de cojines y tapizados.

 

 

 

 

, , , , , , ,

Arte,Ciudad y países,Decoración y arquitectura

ALFOMBRAS DJERMA

19 Nov , 2019  

Los Djerma son un grupo descendientes en línea directa del imperio Shongai.

 

Viven en la curva del rio Niger. Sus hombres tejen las famosas alfombras que además usan como cubrecamas, separadores de ambiente, decoración de pared…

 

Estas alfombras se caracterizan por sus motivos en forma de diamante en rojo y negro, tejidos en una trama suplementaria sobre fondo blanco.

 

En la actualidad suelen añadirse los colores amarillo y verde, y ese colorido las hace más apreciadas aun.

 

Usan una forma de tejer llamada sudanesa. Antiguamente el algodón debía cultivarse e hilarse en el  mismo lugar donde se tejía la alfombra.

 

Aunque muy difícil, no es imposible distinguir las diferentes alfombras tejidas según la ciudad en la que se ha hecho: Niamey, Djamena, etc.

 

Las poleas y equipos de costura pueden llegar a ser tan hermosos como las propias alfombras.

 

, , , , , , ,

Arte,Ciudad y países,Gentes,Historia africana,The African World

ARTE CONTEMPORÁNEO EN ÁFRICA (V): EL ARTE EMERGENTE EN ÁFRICA SUBSAHARIANA

26 Dic , 2017  

En general, los artistas contemporáneos del África subsahariana están más apegados a la tierra que los artistas del Magreb. La evolución artística es más lenta lo que demuestra la escasa presencia de mujeres entre los nombres destacados en el panorama artístico de estos países.

Por regla general se da una enseñanza de las bellas artes autónoma, tardía y lenta. Estos artistas tienen que luchar contra la valoración negativa de la figuración en el arte occidental durante los años del boom abstracto.

Mención aparte necesitarían los artistas de los países del sur ya que, aun siendo propiamente africanos, cultualmente tienen una ligazón europea que difícilmente encajan en el panorama del arte contemporáneo del continente. Entre estos artistas cabe destacar a Tracey rose, kudzanai chiurai, Marlene dumas, Kay hassan, Louise Casserley, Joachim Schonfeldt o Ayanda Mabulu, entre otros)

A continuación se relacionan –no exhaustiva- de los artistas del África Subsahariana presentes en el estado actual del arte contemporáneo internacional.

Abdoulaye Konaté (Mali)

 

Artista comprometido que combina la pintura y la instalación. Los dos grandes aspectos sobre los que trabaja son el sida y la transgresión cultural y medioambiental sufrida por el Sahel. Muchas veces pinta sobre telas tradicionales.

 

Abdoulaye Konaté

 

 

Saadio (Senegal)

 

Fue iniciado por su familia en los signos peul y en la cosmogonía dogón utilizando ambos para expresar la evolución de la sociedad africana que enfrenta sus rituales tradicionales y la vida contemporánea. Su pintura es como un gran sistema lingüístico basado en jeroglíficos.Saadio

 

 

Fatou Kande Senghor (Senegal)

De padre diplomático, conoce profundamente otros países africanos como Nigeria, Ghana, Benin y Camerún. Es una referente de la cultura contemporánea senegalesa.

Fatou Kande Senghor

 

 

Camara Gueye (Senegal)

Estudia en la escuela de BB AA de Dakar y más tarde en Holanda.

 

Camara se nutre de múltiples fuentes y técnicas que experimenta desde hace años en la búsqueda de su propio lenguaje. El dibujo es fundamental en la estructuración de sus lienzos, teniendo como temas constantes, la vida cotidiana y la saturación en los barrios periféricos de Dakar y otras ciudades. Su obra está saturada, cargada de lápiz, collage etc. pero una sobrecarga que domina sin olvidar la armonía de la composición final.

En sus 15 años de carrera ha expuesto en 10 países de cuatro continentes.

CAMARA GUEYE

 

 

Eric Adjetey Anang (Ghana)

 

En 2001 dirigió un proyecto educativo basado en los ataúdes para el  que usó el taller de carpintería de su abuelo. En 2009, sus obras se usaron para el spot televisivo de Aquarius en el mercado español lo que le llevó a consagrarse como artista emergente.

Eric Adjetey Anang

 

 

El Anatsui (Ghana)

Los materiales preferidos por Anatsui son la arcilla y la madera, que emplea para crear objetos basados en las creencias y sujetos de las tradiciones ghanesas. Algunas de sus obras se asemejan a las telas realizadas con los telares kente. Anatsui también incorpora diseños uli del pueblo igbo y símbolos Nsibidi en sus trabajos junto a motivos Ghaneses.El Anatsui ha expuesto sus obras alrededor del mundo,

El Anatsui

 

Mohamed Bérété (Costa de Marfil)

Pintor naif. Realiza frescos y paneles publicitarios para Nestle en diferentes países africanos. Se caractreriza por un estilo luminoso y refinado. Representa muchos de los topicos africanos como el animismo y los mercados.

Mohamed Bérété

 

 

Sambo Boly (Burkina faso)

Pintor autodidacta, se inicia al dibujo durante sus estudios coránicos y luego en la artesanía. Poco informado de la teoría y de los grandes movimientos artísticos, su obra sin embargo se arraiga en la tradición africana la que dota de alusiones al tiempo ancestral.

 

Algunas de sus soportes son tejidos compuesto de trozos desgarrados y enredadosq incluyen pedazos de madera, grandes cucharas, puntas de lanzas y fragmentos de fotografías.

 Sambo Boly

 

 

Gopal Dagnogo (Costa de Marfil)

 

Nacido en el  seno de una familia mixta de artistas. Su madre (francesa, profesora de la Escuela de BBAA de Abidjan. Se muda a francia. Regresa a Africa (a Ougadoudou) donde aprende la técnica de la fundición tradicional en bronce

Gopal Dagnogo

Mene (Costa de Marfil)

 

Influido por la pintuira rupestre africana, ha hecho de esta su modo de expresión. Dice que trata de dar continuidad al arte del pasado adaptándolo a la modernidad ya que en su opinión en los orígenes esta la pureza y la inocencia. Usa distintos pigmentos naturales para sus dibujos

MENE

Kobina Nyarko (Ghana)

 

Explora el simbolismo de la pesca en grandes lienzos, lo que hace que sea muy reconocible.

Kobina Nyarko

Larry Otoo (Ghana)

 

Es pintor desde niño. Se inspira en la actividad cotidiana de los africanos, su pintura es abstracta y vibrante. Ha expuesto en Africa, Europa y EEUU.

Larry otoo

Christophe Sawadogo (Burkina Faso)

 

Apasionado de la poesía y la caligrafía, sus primeras obras se consagraron a dibujos con tinta china o lápices de color sobre papel en los que crea un universo donde flotan personajes, esencialmente femeninos, contados o soñados y preocupaciones sociales actuales.

Christophe SAWADOGO

Touré Mederic (Costa Marfil)

 

De pequeño imitaba las pinturas de Picasso, Basquiat y Dali. Su padre, militar, fue destinado a USA donde aprendió las ultimas tendencias del arte pero siempre adaptándolas a sus raíces africanas. Se define a si mismo como el  nuevo Basquiat. Pinta mascaras ceremonias tribales. También ha desarrollado esculturas.

Touré mederic

Karo Akpokiere (Nigeria)

 

Desarrolla un arte cercano al comic en torno en el  que creció y del que aprendió. También reproduce sus dibujos en alpargatas y objetos de consumo

Karo Akpokiere

 

Emeka Ogboh (Nigeria)

 

Realiza videoinstalaciones basadas en sonidos a través de los cuales reconstruye la complejidad y el caos de ciudades en continua trasformación.

 Emeka Ogboh

 

Ndidi emefield (Nigeria)

 

Fundadora de una de las galerías de arte más punteras del país: el centro de arte y cultura Nike.

 

Influenciada por Frida Kahlo, bebe del mundo de la moda y plasma, en una estética muy particular que mezcla técnicas de pintura mixta, su imagen de la belleza y del mundo a través de lienzos que se centran en la mirada femenina y reformula la imagen de la mujer envuelta en motivos estéticos africanos (telas wax de Vlisco). Utiliza las gafas tanto para esconder los miedos y vulnerabilidad de sus mujeres

 Ndidi emefield

Twins Seven Seven (Nigeria) fallecido

 

Hijo de musulman y cristiana. Su nombre se debe a que es el  único superviviente de un parto de siete hijos que tuvo su madre. Era bailarin itinerante antes de dedicare por entero a la pintura. Influido por la mitología yoruba crea un universo de seres y dioses fantásticos (incluso se autodenomina artista tradicionl yoruba contempotraneo)

Twins Seven Seven

, , , , , , , ,

Decoración y arquitectura,Filosofía de viaje,Gentes,Moda y estilo

LA CASA DE DIANNE VON FUSTENBERG DECORADA CON UN TOQUE AFRICANO

2 Nov , 2017  

Nos encanta el toque que la diseñadora Dianne Von Fustenberg tiene en su apartamento de Manhattan.

Alfombras y cojines de print animal, estatuillas africanas, tiendas safari, sillas multicolor de Senegal…

Precisamente el nombre de nuestra marca, The African Touch, lo escogimos al defender, no un despliegue de estética africana, sino solo un toque. Un toque que aporta a cada ambiente los valores que más nos gustan: personalidad, sencillez, naturalidad, distinción y por supuesto elegancia.

Bravo por Dianne Von Fustenberg

 

Fustenberg (1) Fustenberg (2) Fustenberg (3) Fustenberg (4) Fustenberg (5) Fustenberg (6)

, , , , , , , ,

Arte,Decoración y arquitectura,Moda y estilo,The African World

JUJU HATS

30 Ago , 2017  

Los juju hats son, con razón, unas de las piezas más apreciadas en la decoración actual.

Se trata de un tacado de plumas que usan como atavío ceremonial los jefes de las tribus Bamileke, Bassa y Bamún, para las que es símbolo de prosperidad y posee la belleza y ligereza de las aves.

Están realizados artesanalmente con plumas de aves africanas de granja, naturales o tintadas, engarzadas en una estructura desplegable de rafia y tela.

Los jujus son una de las piezas fetiche de la mayoría de interioristas en todo el mundo y uno de los secretos mejor guardados de estos, quienes lo emplean como foco de atracción visual en sus decoraciones. Gracias a ello han conseguido gran popularidad.

Un elemento tribal conectado con la cultura urbana. Lleno de color, de textura, de ligereza. Un foco de atracción visual que ornamentará cualquier espacio en el que decidas exponerlo. Aportará belleza a la decoración de todo tu hogar.

Los diseños con juju hats aportan textura a las paredes con ese toque de glamour excepcional que tienen las plumas naturales de ave.

Según la época del año, intercambia tus jujus entre los distintos espacios de tu casa. En una composición mural puedes usar colores vivos y llamativos en verano. En invierno tonos neutros, y en cualquier momento jujus de plumas naturales. También puedes probar con una secuencia seriada en colores progresivos e introducir jujus bicolores o multicolores.

El color del juju principal de la combinación ha de hacer juego con el color de algún elemento decorativo de la estancia. En las paredes de tonalidades profundas lucen preciosos los jujus blancos y claros.

Puedes ponerlos en salones, entradas, comedores, dormitorios, cocina o cuarto de baño. También en exterior (si evitas una exposición elevada a altas temperaturas).

 

 

¿Conoces www.kingofthejuju.com?

(no te pierdas una visita a esta web)

 

Logotipo-King-of-the-Ju-Ju

juju blog (1)

juju blog (2)

juju blog (3)

juju blog (4)

juju blog (5)

juju blog (6)

juju blog (7)

juju blog (8)

, , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Gentes,Moda y estilo

UN SIGLO DE MODA ANIMAL PRINT

9 Ago , 2017  

El estampado animal simboliza el glamur, la sofisticación, el misterio, la sensualidad, el poder, el atrevimiento… y permanece estrechamente ligado a la cultura de la moda de este siglo.

 

Durante la revolución femenina en los años 40 se extendió el uso del abrigo de piel y, entre ellos, el de piel de animales salvajes como símbolo de poderío económico.

 

Actrices y pin ups aparecían en las revistas sensualmente ataviadas con mallas de leopardo, a partir de lo cual una gran mayoría mujeres popularizó el uso  de prendas con esta estampa (que, con todo, no perdía su condición de símbolo de riqueza).

 

Para la década de los 50 y 60 las grandes marcas incorporaban de manera recurrente a este diseño en sus colecciones. Jackie Kennedy se convirtió en pionera de los abrigos de piel de animal print.

 

Entretanto en los 60 y 70 el print se populariza y los movimientos urbanos lo usan con una intencionalidad lúdica que pretendía trasladar su simbolismo a un contexto contracultural a veces alterando sus colores naturales por otros psicodélicos y estampándolo en prácticamente cualquier cosa.

 

En el siglo XXI la tendencia perdura, especialmente el leopardo, y si cabe con una amplia extensión a todo tipo de soportes, eso sí, con una perspectiva ecológica sobre pieles sintéticas.

 

0b91e56dcccd0e98755809085f0150b8 27b6495e41a3f2d8b24f420638255621 73ac4bc81d44cffda9f308b5367fa759 4615298039e5e1e92d1c922c2dab1c07 beed647e2a186c666a171dcda0e14f59

, , , , , , , ,