Arte,Ciudad y países,Decoración y arquitectura,Moda y estilo

FUNDACIÓN LOUIS VUITTON PARÍS

22 Sep , 2020  

Si te interesa parís, la arquitectura y las artes plásticas, las líneas que siguen no te aportarán mucho más de lo que ya sabes, pero seguro que también podrás recrear todo ello reducidos como estamos desde hace meses a una vida liviana y vigilante. Yo mismo he recreado un viaje del que daba cuenta en este mismo magazine hace algo más de un año.

 

Dicen los parisinos que no se sabe si Bertrand Arnauld ha hecho un regalo a la ciudad de París o ha sido justo al revés.

 

La fundación Louis Vuitton, abrió al público el 27 de octubre del 2014 después de una compleja obra de varios años. En ella se alberga la colección permanente del propio Arnault, complementadas con exposiciones temporales.

 

Cabría destacar la selección de arte contemporáneo africano que fue la exposición estrella de 2017 en parís y coincidía con otra similar en la fundación Cartier.

 

El edificio se encuentra en el Bois de Boulogne, en la línea que va desde el Arc de la Defense hasta la Place de la Concorde, dejando entre media el Arc de Trionphe, Champs Elisee, el Grand Palais, etc. En definitiva, y como seguro sabían los promotores de la idea, una seña de identidad para el futuro de una ciudad inmortal.

 

El espacio, de 3850 metros cuadrados, fue diseñado por el audaz Frank Gehry, ganador del Pritzker en 1989, (autor también del museo Guggenheim de Bilbao).

 

El arquitecto revoluciona el uso del vidrio creando formas nunca vistas hasta ahora, y ofrece un edificio luminoso, ligero, único e innovador cubierto por una docena de grandes cristaleras retorcidas que otorgan volumen y profundidad espacial al edificio.

 

En mi opinión es una magistral deconstrucción de la propia torre Eiffel, el icono sempiterno de la ciudad, embutido en un kiosco decimonónico típicamente parisino.

 

Torre que se ve desde las terrazas del edificio, quizás la parte más atractiva del lugar ya que uno puede recorrer (incluso en escaleras mecánicas) las sinuosas líneas del edificio y disfrutar de increíbles vistas panorámicas desde las diferentes terrazas del edificio.

 

Hay quien dice que estos edificios de Gehry son pretenciosos y vanidosos (y pueden que sean opiniones acreditadas) (me he divertido leyendo una selección de criticas pésimas en Tripadvisor -solo un 2%) aunque me rindo a la evidencia de un magistral viaje arquitectónico y felicito a los ingenieros y arquitectos que han calculado la estructura.

 

Las obras de arte de las salas interiores rivalizaran siempre con el edificio como obra de arte a mayores. De hecho, una de las salas más visitadas del complejo es ‘le studio’ donde se proyecta la evolución del edificio desde su concepción hasta la finalización subrayando la fuerza expresiva del edificio y su complejidad tecnológica.

 

Cuenta con tienda, auditórium, y el estrellado Restaurante le Frank, cuyo chef, Jean-Louis Nomicos ha diseñado una oferta gastronómica acorde al lugar, ondulando y cambiando sofisticadamente cada hora del día.

 

Aunque prometí en el post original que volvería a la exposición de Basquiat y Egon Schiele, no lo he podido hacer. ¿Podré ir a la de Cindy Sherman?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

, , , , , ,

Ciudad y países,Decoración y arquitectura,Gentes

Bill Willis: rey del orientalismo.

12 May , 2020  

Bill Willis es uno de los grandes nombres del interiorismo moruno. Quizás su ‘inventor’ y desde luego el que revitalizó la artesanía marroquí y la convirtió desde entonces en elemento obligado en cualquier ambiente sofisticado.

 

Llego a la decoración de forma casual cuando alguien le propuso gestionar una galería de antigüedades en Roma, galería que alcanzo gran éxito gracias a su eclecticismo y le catapultó a la fama como una de las personalidades del mundo de la decoración.

 

En 1966 se trasladó a Marrakech para decorar el Palacio Zahia que adquirió Paul Getty consiguiendo un interiorismo espectacular que impactó a las celebrities que participaban en continuas fiestas que levaban el espíritu del ‘sexo, drogas y rock and roll’.

 

Willis ya nunca dejó Marruecos. Aquello le hizo famoso y todas las personalidades querían que Willis decorase sus casas y los empresarios sus restaurantes y hoteles.

 

Fue el pionero de un estilo nuevo que mezclaba las tradiciones artesanas de Marruecos (incluyendo la recuperación del revestimiento de tadelakt, azulejos y arcos de medio punto) con el glamour occidental de los años 50.

 

Su propia casa, Dar Noujoum, era un laboratorio de opulencias inspiradas en su amada Alhambra de Granada. La cocina de su casa estaba revestida de franjas verdes y naranjas de tadelakt. Ademas de eso, bordados, pufs de cueros, mesas de zelliges,

 

Una atmósfera mágica, bohemia y sin embargo muy masculina que le hace merecedor del título de rey del orientalismo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

, , , , , , , , , , , , , ,

Arte,Ciudad y países,Decoración y arquitectura,Gentes

MUSEO VAN BUUREN

28 Abr , 2020  

El Museo Van Buuren en Bruselas se encuentra en la propia casa de la pareja de mecenas Van Buuren (calle Leo Errerastraat 4). Se trata de una casa que ejemplifica el art deco en la que, como decoración, se exhibe una gran colección de arte africano, tanto las piezas originales del matrimonio Van Buuren, como piezas que se han añadido de otras colecciones privadas.

 

De origen holandés, David Van Buuren (1886-1955) llegó a Bruselas en 1909 como financiero. En 1920 se casó con Alice Piette (1890-1973),

 

El edificio de estilo Art Deco está cuidado hasta el más mínimo detalle. Alrededor de la casa hay unos hermosos jardines como el  llamado Art-Decoroz del paisajista Jules Buyssens, el Laberinto o el romántico Jardín secreto del corazón de René Pechère.

 

En esta misma casa vivieron durante 30 años entregados al Art Deco y al Arte Tradicional Africano, artes que apoyaron durante toda su vida. A partir de 1970 Alice creo la Fundación a la que donó la casa, las obras de arte y los jardines contiguos.

 

También tiene una impresionante colección de pinturas de artistas famosos de los 19 del siglo a la 20 ª siglo: el entorno de Pieter Brueghel el Viejo, James Ensor, Henri Fantin-Latour, Constant Permeke y Gustave van de Woestyne.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

, , , , , , , , , , ,

Arte,Moda y estilo,The African World

“Blanco y Negro”, de Man Ray

10 Mar , 2020  

Esta fotografía en gelatina de plata, Noire et blanche Black and White, se realizó en 1926 para la revista de moda Vogue. Kiki, la novia de Man Ray, cantante, actriz y modelo, encarnaba el ideal de belleza en ese momento de piel blanca, cara ovalada simétrica y boca de cereza. Para dar a esta belleza occidental una connotación exótica, Man Ray usó una máscara Baule (Costa de Marfil), probablemente una copia hecha para el mercado turístico. Además, la máscara vertical parece estar más viva que la cara reclinada.

 

La fotografía de Man Ray se corresponde con la concepción surrealista de que colisiones como esta perturban la realidad cotidiana.  Los surrealistas a menudo usaban el arte de África y Oceanía para socavar la tradición europea.

 

Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky. Aunque nacido en USA, pasó la mayor parte de su carrera en París. Participó de manera informal en los movimientos dadaísta y surrealista y se le considera una de los mejores fotógrafos del siglo XX.

 

 


, , , , , , ,

Ciudad y países,Filosofía de viaje,Gentes,Historia africana

Los Herero

11 Feb , 2020  

La primera vez que visite Namibia conocí un buen número de Hereros (siempre que es necesario y puedo, trato de alquilar un vehículo grande, como furgoneta o similar, para así poder aliviar la carga de  las miles de personas que caminan de una población a otra). Desde luego que me llamaron la atención con esa indumentaria victoriana.

 

La sociedad herero cuenta en la actualidad con aproximadamente 300.000 miembros repartidos entre Angola, Botsuana, y Namibia.

 

Sin embargo el siglo XX fue terrible para esta etnia del sur de África. Se cree que el 75% de la población fue aniquilada en un genocidio alemán dirigido por Adrian Dietrich Lothar von Trotha, comandante de la fuerza colonial alemana en África Oriental, quien aplastó la revuelta anticolonialista del jefe herero Samuel Aero del 12 de enero de 1904 expoliando sus tierras, envenenando los pozos utilizados por el ganado y desplazando la población al desierto donde moriría de inanición.

 

Unos meses después, los Namaqua, etnia residente en el  mismo territorio, también se levantaron en armas contra los alemanes y fueron tratados de manera similar.

 

Se trata de una etnia que ha sufrido mucho la persecución y casi aniquilamiento por parte de los colonialistas alemanes en el sur de África, a pesar de lo cual ha mantenido viva sus tradiciones familiares y conciencia nacional.

 

El gobierno alemán pidió disculpas oficiales por estos acontecimientos a los que denominó abiertamente genocidio y comenzó a negociar con el Gobierno de Namibia el pago de las reparaciones.

 

Los Herero prácticamente no se vestían. Los misioneros, ofendidos por la desnudez, lograron introducir el concepto de la vestimenta, con un tipo de vestido de corte europeo de la época, pero vistoso y colorido. El actual traje tradicional de las mujeres Herero es producto de la influencia europea en la época victoriana.

 

 

 

, , , , , , , , , , ,

The African World

LA CULTURA ZULÚ A TRAVÉS DE CUENTAS DE COLORES

4 Feb , 2020  

‘Speaking with beads’ es un libro de Jean Morris y Eleanor Preston-Whyte (editado hace unos 25 años) que llegó a mis manos recientemente aunque había estado en mi lista de deseos de Amazon aguardando un montón de años.

 

Se trata de un documento fotográfico y antropológico de la rica ornamentación basada en las pequeñas cuentas de plástico que numerosas poblaciones del sur de África usan para expresar su propia identidad.

 

Su título es, no obstante, mucho más trascedente ya que me lleva a pensar en la verdadera importancia que las cuentas tienen para la identidad africana. Cuentas de todo tipo, no solo de plástico. Pensemos en cauris por lo pronto, así como cuentas de metal de los akan, de cristal de los Ashanti, etc.

 

Antiguamente las cuentas se hacían de barro, madera, conchas, dientes de animales… y se combinaban sobre las pieles de animales durante las ceremonias y rituales. Eran símbolo de distinción.  Aunque su valor no era solo político sino también económico (durante mucho tiempo se pagaba con cuentas a chamanes y doctores, dotes de boda, etc.)

 

A finales del siglo  empezaron a llevarse cuentas desde Europa. De cristal, de metal y  de plástico. La aristocracia zulú empezó a usarlas por aquel entonces y fue extendiéndose a toda la sociedad. Relatan que el rey Dingaan, sucesor de Shaka, residía en un edificio cuyos postes estaban recubiertos de cuentas.

 

Las mujeres en particular iniciaron toda una rica ‘joyería’ propia que llevarían después a la ornamentación de sus prendas. Los dibujos de los exploradores del xviii y xix evidencian que el uso de las cuentas en la indumentaria zulú estaba muy extendida.

 

Dada su demanda las cuentas de platico de colores empezaron a  producirse en Sudáfrica con la consecuente bajada de precio

 

EL PRESENTE DE LAS CUENTAS

 

Con el paso del tiempo el uso de cuentas forma parte intrínseca del imaginario zulú aunque como es de imaginar su uso en las ciudades está muy reducido. En pueblos es más visible aunque tampoco es una indumentaria de uso habitual. Se ha trasladado a cofradías o agrupaciones que lo reivindican con parte de la cultura zulú y aprovechan para identificar subgrupos. Especialmente en grupos cristianos (y lo que ello conlleva de aceptación de la cultura occidental).

 

El trabajo de confeccionar con cuentas es de las mujeres (bien de forma individual o colectiva) y de ambas maneras se expresan numerosas cosas como grupos y subgrupos a los que se pertenece, estado civil, etc. Los hombres son más recatados y el uso de cuentas entre estos no es tan significativo como en las mujeres, sin embargo llevar hoy cualquier elemento con cuentas significa tener presente la cultura tradicional.

 

 

 

 

 

 

, , , , , , , , , , , ,

Arte

BOGOLÁN: EL TEJIDO PROTECTOR

17 Dic , 2019  

En decoración, a veces, podemos valernos de piezas que son mucho más que eso. Son hermosos pedazos de historia y antropología que, de un modo u otro, otorgan a nuestros espacios una dimensión que trasciende la estética.

 

La colección de cojines bogolán que están a la venta en la web de The African Touch, tienen ese espíritu heterogéneo que siempre buscamos. Queremos que nuestras piezas trasciendan las tendencias y no vengan ni vayan hacia ninguna época.

 

El bogolán es una de las telas más conocidas en África. Esta tela tiene una gran importancia en la región del Sahel desde hace siglos pero recientemente está alcanzando fama mundial gracias a la impresionante demanda en África, Europa y Estados Unidos desde que en los años setenta se editara comercialmente en conmemoración del Festival de Cine de Bamako.

 

Al bogolán también se llama, de forma muy descriptiva, paño de barro de Mali.

 

Originalmente la fabricaban las mujeres de la tribu Bamún, establecida en la región de Djenné, en Mali.

 

Esta tela, tejida en bandas de algodón, y decorada con motivos geométricos blanco sobre fondo negro, se usaba para confeccionar ropa de mujer. Tradicionalmente era la tela con las que vestían las mujeres con la menstruación, embarazadas o con riesgo de perder sus hijos ya que, según las fabulas tradicionales, su dureza y grosor mantenían alejados los espíritus malignos. Es un tejido protector.

 

El paño se sumerge primero en una decocción de hojas de árboles galman y tjankara que contienen muchos taninos con los que adquiere un tono amarillo profundo.

 

Los motivos geométricos se aplican directamente sobre la tela con la base de una botella o recipiente similar. Posteriormente se cubre de barro alrededor del motivo aplicándolo con un cuchillo o espátula metálica ya que el óxido del metal y el barro entran en reacción con el  ácido tánico produciendo un fondo negro. El barro se lava posteriormente y las partes amarillas se decoloran con una solución de sosa cáustica.

 

Siguiendo el  mismo método de fabricación, en la actualidad también se encuentran estampados negros sobre fondo blanco y tonos terrosos y ocres.

 

La producción se concentra en la ciudad de San al norte de Bamako donde el  equipo de compras de The African Touch los selecciona personalmente para posteriormente realizar la colección de cojines y tapizados.

 

 

 

 

, , , , , , ,

Arte,Ciudad y países,Gentes,Historia africana,The African World

ARTE CONTEMPORÁNEO EN ÁFRICA (V): EL ARTE EMERGENTE EN ÁFRICA SUBSAHARIANA

26 Dic , 2017  

En general, los artistas contemporáneos del África subsahariana están más apegados a la tierra que los artistas del Magreb. La evolución artística es más lenta lo que demuestra la escasa presencia de mujeres entre los nombres destacados en el panorama artístico de estos países.

Por regla general se da una enseñanza de las bellas artes autónoma, tardía y lenta. Estos artistas tienen que luchar contra la valoración negativa de la figuración en el arte occidental durante los años del boom abstracto.

Mención aparte necesitarían los artistas de los países del sur ya que, aun siendo propiamente africanos, cultualmente tienen una ligazón europea que difícilmente encajan en el panorama del arte contemporáneo del continente. Entre estos artistas cabe destacar a Tracey rose, kudzanai chiurai, Marlene dumas, Kay hassan, Louise Casserley, Joachim Schonfeldt o Ayanda Mabulu, entre otros)

A continuación se relacionan –no exhaustiva- de los artistas del África Subsahariana presentes en el estado actual del arte contemporáneo internacional.

Abdoulaye Konaté (Mali)

 

Artista comprometido que combina la pintura y la instalación. Los dos grandes aspectos sobre los que trabaja son el sida y la transgresión cultural y medioambiental sufrida por el Sahel. Muchas veces pinta sobre telas tradicionales.

 

Abdoulaye Konaté

 

 

Saadio (Senegal)

 

Fue iniciado por su familia en los signos peul y en la cosmogonía dogón utilizando ambos para expresar la evolución de la sociedad africana que enfrenta sus rituales tradicionales y la vida contemporánea. Su pintura es como un gran sistema lingüístico basado en jeroglíficos.Saadio

 

 

Fatou Kande Senghor (Senegal)

De padre diplomático, conoce profundamente otros países africanos como Nigeria, Ghana, Benin y Camerún. Es una referente de la cultura contemporánea senegalesa.

Fatou Kande Senghor

 

 

Camara Gueye (Senegal)

Estudia en la escuela de BB AA de Dakar y más tarde en Holanda.

 

Camara se nutre de múltiples fuentes y técnicas que experimenta desde hace años en la búsqueda de su propio lenguaje. El dibujo es fundamental en la estructuración de sus lienzos, teniendo como temas constantes, la vida cotidiana y la saturación en los barrios periféricos de Dakar y otras ciudades. Su obra está saturada, cargada de lápiz, collage etc. pero una sobrecarga que domina sin olvidar la armonía de la composición final.

En sus 15 años de carrera ha expuesto en 10 países de cuatro continentes.

CAMARA GUEYE

 

 

Eric Adjetey Anang (Ghana)

 

En 2001 dirigió un proyecto educativo basado en los ataúdes para el  que usó el taller de carpintería de su abuelo. En 2009, sus obras se usaron para el spot televisivo de Aquarius en el mercado español lo que le llevó a consagrarse como artista emergente.

Eric Adjetey Anang

 

 

El Anatsui (Ghana)

Los materiales preferidos por Anatsui son la arcilla y la madera, que emplea para crear objetos basados en las creencias y sujetos de las tradiciones ghanesas. Algunas de sus obras se asemejan a las telas realizadas con los telares kente. Anatsui también incorpora diseños uli del pueblo igbo y símbolos Nsibidi en sus trabajos junto a motivos Ghaneses.El Anatsui ha expuesto sus obras alrededor del mundo,

El Anatsui

 

Mohamed Bérété (Costa de Marfil)

Pintor naif. Realiza frescos y paneles publicitarios para Nestle en diferentes países africanos. Se caractreriza por un estilo luminoso y refinado. Representa muchos de los topicos africanos como el animismo y los mercados.

Mohamed Bérété

 

 

Sambo Boly (Burkina faso)

Pintor autodidacta, se inicia al dibujo durante sus estudios coránicos y luego en la artesanía. Poco informado de la teoría y de los grandes movimientos artísticos, su obra sin embargo se arraiga en la tradición africana la que dota de alusiones al tiempo ancestral.

 

Algunas de sus soportes son tejidos compuesto de trozos desgarrados y enredadosq incluyen pedazos de madera, grandes cucharas, puntas de lanzas y fragmentos de fotografías.

 Sambo Boly

 

 

Gopal Dagnogo (Costa de Marfil)

 

Nacido en el  seno de una familia mixta de artistas. Su madre (francesa, profesora de la Escuela de BBAA de Abidjan. Se muda a francia. Regresa a Africa (a Ougadoudou) donde aprende la técnica de la fundición tradicional en bronce

Gopal Dagnogo

Mene (Costa de Marfil)

 

Influido por la pintuira rupestre africana, ha hecho de esta su modo de expresión. Dice que trata de dar continuidad al arte del pasado adaptándolo a la modernidad ya que en su opinión en los orígenes esta la pureza y la inocencia. Usa distintos pigmentos naturales para sus dibujos

MENE

Kobina Nyarko (Ghana)

 

Explora el simbolismo de la pesca en grandes lienzos, lo que hace que sea muy reconocible.

Kobina Nyarko

Larry Otoo (Ghana)

 

Es pintor desde niño. Se inspira en la actividad cotidiana de los africanos, su pintura es abstracta y vibrante. Ha expuesto en Africa, Europa y EEUU.

Larry otoo

Christophe Sawadogo (Burkina Faso)

 

Apasionado de la poesía y la caligrafía, sus primeras obras se consagraron a dibujos con tinta china o lápices de color sobre papel en los que crea un universo donde flotan personajes, esencialmente femeninos, contados o soñados y preocupaciones sociales actuales.

Christophe SAWADOGO

Touré Mederic (Costa Marfil)

 

De pequeño imitaba las pinturas de Picasso, Basquiat y Dali. Su padre, militar, fue destinado a USA donde aprendió las ultimas tendencias del arte pero siempre adaptándolas a sus raíces africanas. Se define a si mismo como el  nuevo Basquiat. Pinta mascaras ceremonias tribales. También ha desarrollado esculturas.

Touré mederic

Karo Akpokiere (Nigeria)

 

Desarrolla un arte cercano al comic en torno en el  que creció y del que aprendió. También reproduce sus dibujos en alpargatas y objetos de consumo

Karo Akpokiere

 

Emeka Ogboh (Nigeria)

 

Realiza videoinstalaciones basadas en sonidos a través de los cuales reconstruye la complejidad y el caos de ciudades en continua trasformación.

 Emeka Ogboh

 

Ndidi emefield (Nigeria)

 

Fundadora de una de las galerías de arte más punteras del país: el centro de arte y cultura Nike.

 

Influenciada por Frida Kahlo, bebe del mundo de la moda y plasma, en una estética muy particular que mezcla técnicas de pintura mixta, su imagen de la belleza y del mundo a través de lienzos que se centran en la mirada femenina y reformula la imagen de la mujer envuelta en motivos estéticos africanos (telas wax de Vlisco). Utiliza las gafas tanto para esconder los miedos y vulnerabilidad de sus mujeres

 Ndidi emefield

Twins Seven Seven (Nigeria) fallecido

 

Hijo de musulman y cristiana. Su nombre se debe a que es el  único superviviente de un parto de siete hijos que tuvo su madre. Era bailarin itinerante antes de dedicare por entero a la pintura. Influido por la mitología yoruba crea un universo de seres y dioses fantásticos (incluso se autodenomina artista tradicionl yoruba contempotraneo)

Twins Seven Seven

, , , , , , , ,

Arte,Ciudad y países,Gentes,Historia africana,Moda y estilo,The African World

ARTE CONTEMPORÁNEO EN ÁFRICA (IV): el arte emergente en África central y oriental

1 Dic , 2017  

Cierto es que la mayor producción artística corresponde al África Occidental, sin embargo Internet también ha facilitado la difusión de las diversas formas artísticas entre las distintas culturas de África central y oriental, así como un leve desarrollo de las escuelas de arte y arquitectura.

 

A continuación se relacionan –de forma no exhaustiva- los artistas del África Central y Oriental presentes en el estado actual del arte contemporáneo internacional.

 

Francis Mampuya (Congo)

 

Tras estudiar durante un año Bellas Artes en Kinshasa, crea el grupo los libristes, basado en principios de libertad artística.

 

El universo de Francis Mampuya es alternativamente semifigurativo y abstracto, donde la abstracción siempre quiere ser alusiva. Si bien lo primero que nos impacta es su fuerte colorido, con un dominio del azul y el rojo,

Francis Mampuya

Kristine Tsala (Camerún)

 

Hija de la selva, según ella los cuadros que pinta son sus  ‘nuevos árboles’.

 

Se traslado a Kinshasa donde fundó el colectivo » 3Kokorikos».  La calle es su fuente de inspiración. Hombres y mujeres con los que la artista se cruza cada día con todos sus colores, formas, cláxones, especias, olores…

 

le gusta experimentar con técnicas y colores suaves y brillantes en la que se entrelazan signos místicos y máscaras a las que impregna con mensajes simbolicos.

Kristine Tsala

Sammy Baloji (Congo)

 

Se inicio como dibujante de comics y continuó como fotógrafo y videoartista. El paisaje urbano de su región natal de Lubumbashi es la tabla sobre la que denuncia la explotación etnográfica y urbanística del medio ambiente del Congo

Sammy baloji

Samson Kambalu (Malawi)

 

De una educación muy cuidada, su referencia es el movimiento situacionista y la cultura chewa que reproduce en una amplia variedad de medios plásticos

Samson kambalu

Gonzalo Mabunda (Mozambique)

 

Su infancia fue esta marcada por la violencia y lo absurdo de la guerra civil en Mozambique. A partir de ahí, crea  esculturas, muebles y objetos cuyas materias primas son las armas desactivadas y otros objetos de destrucción recuperadas tras la guerra civil que devastó su pais.

Gonzalo mabunda

 

Cyrus Kabiru (Kenia)

 

Artista autodidacta, sus trabajos normalmente son representaciones humorísticas de la vida contemporánea en Kenia. Su obra se sitúa entre la moda, el arte, el diseño y el espectáculo. Es especialmente conocido por sus gafas artísticas C-STUNNERS, hechas con materiales reciclados. La obra se sitúa entre la moda, el arte, el diseño y el espectáculo.

Cyrus Kabiru

Boris Nzebo (Camerún)

 

Muestra la complejidad de la Cultura urbana de Douala. Su arte se basa en la típica cartelería comercial pintada a mano. A través de los peinados de sus personajes trata de explorar la relación entre la vida interior y la vida callejera

Boris Nzebo

Aza Masongi (Congo)

 

Experimenta en otros campos del arte y para ello no duda en utilizar diferentes estilos en su obra como la pintura y escultura y la abstracción figurativa. Estilos que reflejan los elementos, materiales y situaciones de la vida cotidiana que posteriormente dan vida a los cuadros de la congolesa y que buscan expresar el ritmo de la sociedad contemporánea.

Aza Masongi

Samuiel Dalle (Camerún)

 

Se traslada a Congo ya que es rechazado de las escuelas de bbaa de Camerún. Pinta en acrílico fragmentos de la vida cuotidiana y del África actual: inmigración, miseria y capitalismo, egoísmo.

 

Samuiel dalle

, , , , , , , , , ,

Arte,Historia africana,The African World

ARTE CONTEMPORÁNEO EN ÁFRICA (III): EL ARTE ACTUAL DEL MAGREB

21 Nov , 2017  

Repasamos a continuación una selección de la generación más reciente e internacional de los artistas contemporáneos en el Magreb.

 

Los pioneros, de la mano del protectorado francés, desarrollaron una pintura de caballete adherida a planteamientos figurativos y posteriormente, una vez alcanzada la independencia en estos países, la siguiente generación se adhiere a planteamientos abstractos. En la actualidad gracias a las posibilidades que ofrece  internet para conocer lo que se realiza en todo el planeta y las oportunidades para desplazarse estos artistas residen a medio camino entre su propio pais y Europa. Estos artistas son mucho más globales en la concepción de su arte. A diferencia de otras épocas las mujeres son parte troncal de esta generación de artistas.

 

Un hecho generalizado fue lo que influyeron los ataques del 11S haciéndose la obra de la mayoría de ellos algo más subversiva con todo lo que tiene que ver con el Islam y la propia cultura árabe.

 

Aunque hay otros nombres también conocidos (Fouad Mahasud, Icham Benohud, Shady El Noshokaty, Lazhar Hakkar, Ramzi Mostafa, Meriem Bouderbala, Ammar Bouras, Houda Ghorbel, Wael Shawky, Amal Kenawy, Nicène Kossentini y otros), a continuación se relacionan los artistas del Magreb presentes en el estado actual del arte contemporáneo internacional.

 

 

Adel Abdessemed (Argelia)

 

Utiliza numerosos medios de expresión (animación, instalación, escultura y video) muchos de los cuales giran en torno a la violencia en el mundo.

 

Estudio en la escuela de bellas artes de la región en batna y luego en argel (lo dejo después de que asesinaran al director y al hijo de este en el interior de la escuela). Tras ello estuvo en la Escuela de bbaa de Lyon y posteriormente como artista residente en la ciudad internacional de las artes de París

Adel Abdessemed

Nidhal Chamekh (Túnez)

 

Pintor y artista visual estudió bbaa en Túnez realizando su tesis en la Sorbona. La persecución a su familia por la militancia política de estos causó una profunda huella convirtiendo su obra en fragmentos de realidad y espacios confusos en los que incorpora algo figuración todo ello algo caótico

 

Nidhal Chamekh

Massinissa Selmani (Argelia)

 

Es un experimentador plástico que sin embargo se caracteriza por su simplicidad. Usa varios formatos y siempre introduce algo de ironía y humor en forma de símbolos ambiguos. También usa imágenes de prensa para formar collages cargados de reivindicación política.

 Massinissa Selmani

Lalla Esaydi (Marruecos)

 

Hoy, comparte su residencia entre Nueva York y Marrakech. Utiliza esencialmente la fotografía y la caligrafía árabe con tatuaje de henna sobre numerosos soportes (tejidos, cuerpos, muros, etc.). Trabaja también la pintura, el vídeo y la instalación.

 

Su trabajo está centrado en torno a la representación del cuerpo de la mujer y sobre todo la complejidad de la visión occidental sobre la identidad de las mujeres de los países árabes.

Lalla Esaydi

Hassan Hajjaj (Marruecos)

 

Por su trabajo en el  universo pop, se le conoce como el Andy Warhol de Marrakech. También ha trabajado en moda y decoración de interiores y ha rodado el  film Karima: A Day in the Life of a Henna Girl. Su trabajo está en los grandes museos del mundo.

Hassan Hajjaj

Ghada Amer (Egipto)

 

Artista multimedia cairota emigrada a Francia a los 11 años. Desarrolla la pintura, el  dibujo, la escultura e incluso instalaciones y performances. Su trabajo gira en torno a la feminidad y la sexualidad. También a la identidad poscolonial y la cultura islámica

GhadaAmer

Lara Baladi (Líbano)

 

Fotógrafa y artista multimedia de Beirut (foto, video, instalaciones, construcciones, tapices, etc.

Lara Baladi

Mounir Fatmi (Marruecos)

 

Artista multimedia Tangerino. Su trabajo siempre gira en torno a los dogmas, las ideologías  y las religiones como objetos de consumo. Un poco subversivo con todo lo que tiene que ver con el  islam y la cultura árabe

Mounir Fatmi

Sabah Naim (Egipto)

 

Artista multimedia egipcia que se inicia en El Cairo. Usa el  anonimato de las calles de El Cairo como su fuente de inspiración

Sabah Naim

Moataz Nasr  (Egipto)

 

Al no tener formación artística fue criticado por sus colegas artistas por ser un “outsider” aunque le presentan en todo el  mundo como un gran artista y promesa del arte árabe.

 

En 2008 fundó en El Cairo Darb 1718, un centro cultural para hacer florecer el arte contemporáneo en Egipto.

 

Moataz Nasr

, , , , , , , , ,