Arte,Decoración y arquitectura,The African World

ARTES MAYORES Y MENORES. EUROPA Y ÁFRICA FRENTE A FRENTE

5 Mar , 2021  

En la inútil comparativa (desviada del foco real de la cuestión) con la que siempre lidiamos quienes estudiamos el exotismo en el arte y la decoración, hay un aspecto que sale a relucir con cierta frecuencia en la literatura especializada: artes mayores y artes menores.

 

*(Por suerte sale a relucir cada vez con menos regularidad).

 

La comparativa no deja de mostrar más que sometemos todo a exámenes y con estos dejamos en evidencia los valores artísticos sobre los que se ha asentado el arte en Europa y occidente.

 

Las precisiones que siguen la tortuosa relación histórica entre las denominadas artes mayores y menores son solo una mínima parte de un compendio de saberes que muestran la diferente mentalidad artística de Europa y África y que permiten superar antagonismos estériles y colocar un mundo y otro en el universo que a cada uno le corresponde.

 

Parece que la diferencia entre una y otra es el contacto físico y material con ellas. Mientras la pintura y la escultura no requieren contacto físico y bastaría tan solo el deleite de la observación intelectual, otras artes (a las que la historia ha puesto por nombre: menores) sí requieren un contacto físico y material. La decoración seria arte menor en la medida en que es vivida en contacto directo y permanente.

 

Una clasificación que implica, erróneamente en mi opinión, arte de primera y segunda división. Arte divino y arte mundano, alto y bajo…

 

De hecho, y con el ejemplo puede percibirse el abismo entre Europa y África, el arte mayor en esta última sí ha requerido el contacto físico con la obra ya que jamás se produjeron para el deleite visual solamente, sino que implicaban también una finalidad (como la escultura por ejemplo, cuya finalidad es ritual en muchos casos).

 

Contrariamente, la pintura no es un arte muy representativo de las manifestaciones tradicionales de África. La cestería y orfebrería son también otras artes menores que han tenido predicamento en África. La arquitectura sería otro arte menor en esta relación de definiciones.

 

Esto muestra igualmente la distancia cultural existente entre África y Europa por lo que los parámetros que pueden servirnos aquí para clasificar como bueno o malo, bonito o feo, no son válidos en África.

 

 

 

 

 

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Arte,Gentes,Moda y estilo

LA CULTURA ZULÚ CONTADA A TRAVÉS DE CUENTAS DE COLORES

19 Feb , 2021  

‘Speaking with beads’ es un libro de Jean Morris y Eleanor Preston-Whyte (editado hace unos 25 años) que llegó a mis manos recientemente aunque había estado en mi lista de deseos de Amazon aguardando un montón de años.

 

Se trata de un documento fotográfico y antropológico de la rica ornamentación basada en las pequeñas cuentas de plástico que numerosas poblaciones del sur de África usan para expresar su propia identidad.

 

Su título es, no obstante, mucho más trascedente ya que me lleva a pensar en la verdadera importancia que las cuentas tienen para la identidad africana. Cuentas de todo tipo, no solo de plástico. Pensemos en cauris por lo pronto, así como cuentas de metal de los akan, de cristal de los Ashanti, etc.

 

Antiguamente las cuentas se hacían de barro, madera, conchas, dientes de animales… y se combinaban sobre las pieles de animales durante las ceremonias y rituales. Eran símbolo de distinción.  Aunque su valor no era solo político sino también económico (durante mucho tiempo se pagaba con cuentas a chamanes y doctores, dotes de boda, etc.)

 

A finales del siglo  empezaron a llevarse cuentas desde Europa. De cristal, de metal y  de plástico. La aristocracia zulú empezó a usarlas por aquel entonces y fue extendiéndose a toda la sociedad. Relatan que el rey Dingaan, sucesor de Shaka, residía en un edificio cuyos postes estaban recubiertos de cuentas.

 

Las mujeres en particular iniciaron toda una rica ‘joyería’ propia que llevarían después a la ornamentación de sus prendas. Los dibujos de los exploradores del xviii y xix evidencian que el uso de las cuentas en la indumentaria zulú estaba muy extendida.

 

Dada su demanda las cuentas de platico de colores empezaron a  producirse en Sudáfrica con la consecuente bajada de precio

 

EL PRESENTE DE LAS CUENTAS

 

Con el paso del tiempo el uso de cuentas forma parte intrínseca del imaginario zulú aunque como es de imaginar su uso en las ciudades está muy reducido. En pueblos es más visible aunque tampoco es una indumentaria de uso habitual. Se ha trasladado a cofradías o agrupaciones que lo reivindican con parte de la cultura zulú y aprovechan para identificar subgrupos. Especialmente en grupos cristianos (y lo que ello conlleva de aceptación de la cultura occidental).

 

El trabajo de confeccionar con cuentas es de las mujeres (bien de forma individual o colectiva) y de ambas maneras se expresan numerosas cosas como grupos y subgrupos a los que se pertenece, estado civil, etc. Los hombres son más recatados y el uso de cuentas entre estos no es tan significativo como en las mujeres, sin embargo llevar hoy cualquier elemento con cuentas significa tener presente la cultura tradicional.

 

 

 

 

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IMANE AYISSI

12 Feb , 2021  

Debo reconocer que, a pesar del interés que siempre muestro por los diseñadores de moda africanos (algunos de ellos ya han aparecido en este blog así como otros diseñadores occidentales con un toque afro), no conocía a Imane Ayissi hasta que por ventura de las RRSS me topé con su obra y biografía. Obra y biografía que por supuesto he ido investigando con interés.

 

Claro, que podría haberle dedicado esta entrada al Imane Ayissi, actor, modelo, bailarín… Aunque parece ser que en su trabajo como modisto ha alcanzado grandes éxitos de entre todas estas actividades.

 

Fue miembro del Ballet Nacional de Camerún y realizó giras con cantantes y coreógrafos, como Patrick Dupont y otros cantantes y coreógrafos lo que le llevó a recorrer los cuatro rincones del mundo.

 

Cuando se trasladó a Francia en la década de 1990 trabajó como modelo presentando las colecciones masculinas de marcas Cardin, Dior, Lanvin, Givenchy, Yves Saint-Laurent y Valentino.

 

También ha sido objeto de reportajes de moda, campañas publicitarias y proyectos artísticos en sesiones de moda de famosos fotógrafos.

 

AYISSI, DISEÑADOR DE MODA

 

Fundó su propia marca en 2004 y es el primer diseñador africano que presenta sus diseños en la pasarela de la alta costura de París (sólo otros dos diseñadores africanos han desfilado en esta pasarela: Alphadi (Nigeria) en 2004 y Noureddine Amir (Marruecos) en 2018). Es miembro invitado de la Chambre Syndicale de la Haute Couture.

 

Las prendas de las líneas «Couture» y prêt-à-porter de Imane Ayissi fusionan las tradiciones y realidades africanas con la moda occidental. Sus influencias son Cristóbal Balenciaga, Yves Saint Laurent o Azzedine Alaïa.

 

Ayissi muestra a través de sus colecciones su versión compleja, moderna y sofisticada de África y enseña lo diversas y compleja que son las culturas africanas.

 

Sus colecciones, a menudo con nombres exóticos y evocadores (Voodoo Mood, Idoutt…) combinan la artesanía, los materiales y las inspiraciones artísticas tradicionales africanas con el uso de tejidos innovadores. A menudo también hay una infusión de trabajo de bricolaje o reciclaje típicamente africano con referencias a la Alta Costura y a la creatividad contemporánea para crear una moda dirigida a un público internacional.

 

Sus prendas que le dan una vuelta de tuerca a los tejidos más tradicionales como el Kente de Ghana, la rafia de Madagascar en las orillas de vestidos estilo caftán; obom (tela hecha con la corteza de los árboles) convertida en adornos florales; chaquetas de bògòlanfini (una tela de Mali teñida con barro fermentado) y ndop (un tejido resistente teñido con índigo, de Camerún).

 

Colabora habitualmente con otras marcas de lujo (creó una línea de vestidos para la presentación de la colección de joyas y accesorios Swarovski en el Carousel de Louvre de París en 2004), pero también con marcas más accesibles como Multiples (una marca francesa de pret-à-porter que vende a precios asequibles) o La Redoute.

 

ESPIRITU RENACENTISTA

 

Este espíritu renacentista se debe en gran medida a su familia de artistas y deportistas: su padre Jean-Baptiste Ayissi Ntsama fue campeón de boxeo y su madre Julienne Honorine Eyenga Ayissi, la primera mujer coronada Miss Camerún tras la independencia del país. Sus hermanos también son bailarines y cantantes.

 

Se interesó por la moda cuando era niño en Camerún (allí hizo sus primeras prendas para su madre y posteriormente para uno de los mayores ateliers del país).

 

Imane Ayissi también participa en proyectos de formación en el ámbito de la moda y en la creación de una industria textil destinada a favorecer el crecimiento económico de África y, en particular, de Camerún.

 

 

 

 

 

 

 

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BENDITO BOGOLÁN

22 Ene , 2021  

En decoración, a veces, podemos valernos de piezas que son mucho más que eso. Son hermosos pedazos de historia y antropología que, de un modo u otro, otorgan a nuestros espacios una dimensión que trasciende la estética.

 

La colección de cojines bogolán que están a la venta en la web de The African Touch, tienen ese espíritu heterogéneo que siempre buscamos. Queremos que nuestras piezas trasciendan las tendencias y no vengan ni vayan hacia ninguna época.

 

El bogolán es una de las telas más conocidas en África. Esta tela tiene una gran importancia en la región del Sahel desde hace siglos pero recientemente está alcanzando fama mundial gracias a la impresionante demanda en África, Europa y Estados Unidos desde que en los años setenta se editara comercialmente en conmemoración del Festival de Cine de Bamako.

 

Al bogolán también se llama, de forma muy descriptiva, paño de barro de Mali.

 

Originalmente la fabricaban las mujeres de la tribu Bamún, establecida en la región de Djenné, en Mali.

 

Esta tela, tejida en bandas de algodón, y decorada con motivos geométricos blanco sobre fondo negro, se usaba para confeccionar ropa de mujer. Tradicionalmente era la tela con las que vestían las mujeres con la menstruación, embarazadas o con riesgo de perder sus hijos ya que, según las fabulas tradicionales, su dureza y grosor mantenían alejados los espíritus malignos. Es un tejido protector.

 

El paño se sumerge primero en una decocción de hojas de árboles galman y tjankara que contienen muchos taninos con los que adquiere un tono amarillo profundo.

 

Los motivos geométricos se aplican directamente sobre la tela con la base de una botella o recipiente similar. Posteriormente se cubre de barro alrededor del motivo aplicándolo con un cuchillo o espátula metálica ya que el óxido del metal y el barro entran en reacción con el  ácido tánico produciendo un fondo negro. El barro se lava posteriormente y las partes amarillas se decoloran con una solución de sosa cáustica.

 

Siguiendo el  mismo método de fabricación, en la actualidad también se encuentran estampados negros sobre fondo blanco y tonos terrosos y ocres.

 

La producción se concentra en la ciudad de San al norte de Bamako donde el  equipo de compras de The African Touch los selecciona personalmente para posteriormente realizar la colección de cojines y tapizados.

 

 

 

 

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FUNDACIÓN LOUIS VUITTON PARÍS

22 Sep , 2020  

Si te interesa parís, la arquitectura y las artes plásticas, las líneas que siguen no te aportarán mucho más de lo que ya sabes, pero seguro que también podrás recrear todo ello reducidos como estamos desde hace meses a una vida liviana y vigilante. Yo mismo he recreado un viaje del que daba cuenta en este mismo magazine hace algo más de un año.

 

Dicen los parisinos que no se sabe si Bertrand Arnauld ha hecho un regalo a la ciudad de París o ha sido justo al revés.

 

La fundación Louis Vuitton, abrió al público el 27 de octubre del 2014 después de una compleja obra de varios años. En ella se alberga la colección permanente del propio Arnault, complementadas con exposiciones temporales.

 

Cabría destacar la selección de arte contemporáneo africano que fue la exposición estrella de 2017 en parís y coincidía con otra similar en la fundación Cartier.

 

El edificio se encuentra en el Bois de Boulogne, en la línea que va desde el Arc de la Defense hasta la Place de la Concorde, dejando entre media el Arc de Trionphe, Champs Elisee, el Grand Palais, etc. En definitiva, y como seguro sabían los promotores de la idea, una seña de identidad para el futuro de una ciudad inmortal.

 

El espacio, de 3850 metros cuadrados, fue diseñado por el audaz Frank Gehry, ganador del Pritzker en 1989, (autor también del museo Guggenheim de Bilbao).

 

El arquitecto revoluciona el uso del vidrio creando formas nunca vistas hasta ahora, y ofrece un edificio luminoso, ligero, único e innovador cubierto por una docena de grandes cristaleras retorcidas que otorgan volumen y profundidad espacial al edificio.

 

En mi opinión es una magistral deconstrucción de la propia torre Eiffel, el icono sempiterno de la ciudad, embutido en un kiosco decimonónico típicamente parisino.

 

Torre que se ve desde las terrazas del edificio, quizás la parte más atractiva del lugar ya que uno puede recorrer (incluso en escaleras mecánicas) las sinuosas líneas del edificio y disfrutar de increíbles vistas panorámicas desde las diferentes terrazas del edificio.

 

Hay quien dice que estos edificios de Gehry son pretenciosos y vanidosos (y pueden que sean opiniones acreditadas) (me he divertido leyendo una selección de criticas pésimas en Tripadvisor -solo un 2%) aunque me rindo a la evidencia de un magistral viaje arquitectónico y felicito a los ingenieros y arquitectos que han calculado la estructura.

 

Las obras de arte de las salas interiores rivalizaran siempre con el edificio como obra de arte a mayores. De hecho, una de las salas más visitadas del complejo es ‘le studio’ donde se proyecta la evolución del edificio desde su concepción hasta la finalización subrayando la fuerza expresiva del edificio y su complejidad tecnológica.

 

Cuenta con tienda, auditórium, y el estrellado Restaurante le Frank, cuyo chef, Jean-Louis Nomicos ha diseñado una oferta gastronómica acorde al lugar, ondulando y cambiando sofisticadamente cada hora del día.

 

Aunque prometí en el post original que volvería a la exposición de Basquiat y Egon Schiele, no lo he podido hacer. ¿Podré ir a la de Cindy Sherman?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Bill Willis: rey del orientalismo.

12 May , 2020  

Bill Willis es uno de los grandes nombres del interiorismo moruno. Quizás su ‘inventor’ y desde luego el que revitalizó la artesanía marroquí y la convirtió desde entonces en elemento obligado en cualquier ambiente sofisticado.

 

Llego a la decoración de forma casual cuando alguien le propuso gestionar una galería de antigüedades en Roma, galería que alcanzo gran éxito gracias a su eclecticismo y le catapultó a la fama como una de las personalidades del mundo de la decoración.

 

En 1966 se trasladó a Marrakech para decorar el Palacio Zahia que adquirió Paul Getty consiguiendo un interiorismo espectacular que impactó a las celebrities que participaban en continuas fiestas que levaban el espíritu del ‘sexo, drogas y rock and roll’.

 

Willis ya nunca dejó Marruecos. Aquello le hizo famoso y todas las personalidades querían que Willis decorase sus casas y los empresarios sus restaurantes y hoteles.

 

Fue el pionero de un estilo nuevo que mezclaba las tradiciones artesanas de Marruecos (incluyendo la recuperación del revestimiento de tadelakt, azulejos y arcos de medio punto) con el glamour occidental de los años 50.

 

Su propia casa, Dar Noujoum, era un laboratorio de opulencias inspiradas en su amada Alhambra de Granada. La cocina de su casa estaba revestida de franjas verdes y naranjas de tadelakt. Ademas de eso, bordados, pufs de cueros, mesas de zelliges,

 

Una atmósfera mágica, bohemia y sin embargo muy masculina que le hace merecedor del título de rey del orientalismo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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MUSEO VAN BUUREN

28 Abr , 2020  

El Museo Van Buuren en Bruselas se encuentra en la propia casa de la pareja de mecenas Van Buuren (calle Leo Errerastraat 4). Se trata de una casa que ejemplifica el art deco en la que, como decoración, se exhibe una gran colección de arte africano, tanto las piezas originales del matrimonio Van Buuren, como piezas que se han añadido de otras colecciones privadas.

 

De origen holandés, David Van Buuren (1886-1955) llegó a Bruselas en 1909 como financiero. En 1920 se casó con Alice Piette (1890-1973),

 

El edificio de estilo Art Deco está cuidado hasta el más mínimo detalle. Alrededor de la casa hay unos hermosos jardines como el  llamado Art-Decoroz del paisajista Jules Buyssens, el Laberinto o el romántico Jardín secreto del corazón de René Pechère.

 

En esta misma casa vivieron durante 30 años entregados al Art Deco y al Arte Tradicional Africano, artes que apoyaron durante toda su vida. A partir de 1970 Alice creo la Fundación a la que donó la casa, las obras de arte y los jardines contiguos.

 

También tiene una impresionante colección de pinturas de artistas famosos de los 19 del siglo a la 20 ª siglo: el entorno de Pieter Brueghel el Viejo, James Ensor, Henri Fantin-Latour, Constant Permeke y Gustave van de Woestyne.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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“Blanco y Negro”, de Man Ray

10 Mar , 2020  

Esta fotografía en gelatina de plata, Noire et blanche Black and White, se realizó en 1926 para la revista de moda Vogue. Kiki, la novia de Man Ray, cantante, actriz y modelo, encarnaba el ideal de belleza en ese momento de piel blanca, cara ovalada simétrica y boca de cereza. Para dar a esta belleza occidental una connotación exótica, Man Ray usó una máscara Baule (Costa de Marfil), probablemente una copia hecha para el mercado turístico. Además, la máscara vertical parece estar más viva que la cara reclinada.

 

La fotografía de Man Ray se corresponde con la concepción surrealista de que colisiones como esta perturban la realidad cotidiana.  Los surrealistas a menudo usaban el arte de África y Oceanía para socavar la tradición europea.

 

Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky. Aunque nacido en USA, pasó la mayor parte de su carrera en París. Participó de manera informal en los movimientos dadaísta y surrealista y se le considera una de los mejores fotógrafos del siglo XX.

 

 


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Los Herero

11 Feb , 2020  

La primera vez que visite Namibia conocí un buen número de Hereros (siempre que es necesario y puedo, trato de alquilar un vehículo grande, como furgoneta o similar, para así poder aliviar la carga de  las miles de personas que caminan de una población a otra). Desde luego que me llamaron la atención con esa indumentaria victoriana.

 

La sociedad herero cuenta en la actualidad con aproximadamente 300.000 miembros repartidos entre Angola, Botsuana, y Namibia.

 

Sin embargo el siglo XX fue terrible para esta etnia del sur de África. Se cree que el 75% de la población fue aniquilada en un genocidio alemán dirigido por Adrian Dietrich Lothar von Trotha, comandante de la fuerza colonial alemana en África Oriental, quien aplastó la revuelta anticolonialista del jefe herero Samuel Aero del 12 de enero de 1904 expoliando sus tierras, envenenando los pozos utilizados por el ganado y desplazando la población al desierto donde moriría de inanición.

 

Unos meses después, los Namaqua, etnia residente en el  mismo territorio, también se levantaron en armas contra los alemanes y fueron tratados de manera similar.

 

Se trata de una etnia que ha sufrido mucho la persecución y casi aniquilamiento por parte de los colonialistas alemanes en el sur de África, a pesar de lo cual ha mantenido viva sus tradiciones familiares y conciencia nacional.

 

El gobierno alemán pidió disculpas oficiales por estos acontecimientos a los que denominó abiertamente genocidio y comenzó a negociar con el Gobierno de Namibia el pago de las reparaciones.

 

Los Herero prácticamente no se vestían. Los misioneros, ofendidos por la desnudez, lograron introducir el concepto de la vestimenta, con un tipo de vestido de corte europeo de la época, pero vistoso y colorido. El actual traje tradicional de las mujeres Herero es producto de la influencia europea en la época victoriana.

 

 

 

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LA CULTURA ZULÚ A TRAVÉS DE CUENTAS DE COLORES

4 Feb , 2020  

‘Speaking with beads’ es un libro de Jean Morris y Eleanor Preston-Whyte (editado hace unos 25 años) que llegó a mis manos recientemente aunque había estado en mi lista de deseos de Amazon aguardando un montón de años.

 

Se trata de un documento fotográfico y antropológico de la rica ornamentación basada en las pequeñas cuentas de plástico que numerosas poblaciones del sur de África usan para expresar su propia identidad.

 

Su título es, no obstante, mucho más trascedente ya que me lleva a pensar en la verdadera importancia que las cuentas tienen para la identidad africana. Cuentas de todo tipo, no solo de plástico. Pensemos en cauris por lo pronto, así como cuentas de metal de los akan, de cristal de los Ashanti, etc.

 

Antiguamente las cuentas se hacían de barro, madera, conchas, dientes de animales… y se combinaban sobre las pieles de animales durante las ceremonias y rituales. Eran símbolo de distinción.  Aunque su valor no era solo político sino también económico (durante mucho tiempo se pagaba con cuentas a chamanes y doctores, dotes de boda, etc.)

 

A finales del siglo  empezaron a llevarse cuentas desde Europa. De cristal, de metal y  de plástico. La aristocracia zulú empezó a usarlas por aquel entonces y fue extendiéndose a toda la sociedad. Relatan que el rey Dingaan, sucesor de Shaka, residía en un edificio cuyos postes estaban recubiertos de cuentas.

 

Las mujeres en particular iniciaron toda una rica ‘joyería’ propia que llevarían después a la ornamentación de sus prendas. Los dibujos de los exploradores del xviii y xix evidencian que el uso de las cuentas en la indumentaria zulú estaba muy extendida.

 

Dada su demanda las cuentas de platico de colores empezaron a  producirse en Sudáfrica con la consecuente bajada de precio

 

EL PRESENTE DE LAS CUENTAS

 

Con el paso del tiempo el uso de cuentas forma parte intrínseca del imaginario zulú aunque como es de imaginar su uso en las ciudades está muy reducido. En pueblos es más visible aunque tampoco es una indumentaria de uso habitual. Se ha trasladado a cofradías o agrupaciones que lo reivindican con parte de la cultura zulú y aprovechan para identificar subgrupos. Especialmente en grupos cristianos (y lo que ello conlleva de aceptación de la cultura occidental).

 

El trabajo de confeccionar con cuentas es de las mujeres (bien de forma individual o colectiva) y de ambas maneras se expresan numerosas cosas como grupos y subgrupos a los que se pertenece, estado civil, etc. Los hombres son más recatados y el uso de cuentas entre estos no es tan significativo como en las mujeres, sin embargo llevar hoy cualquier elemento con cuentas significa tener presente la cultura tradicional.

 

 

 

 

 

 

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