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CHIMAMANDA NGOZI ADICHIE

7 May , 2021  

Chimamanda es una figura que ha adquirido una gran relevancia internacional gracias a sus pequeñas obras de apoyo al movimiento feminista internacional (obras que, en mi opinión, no dejan de ser panfletos facilones para el consumo de masas).

 

Sin embargo es esencialmente una escritora de narrativa con un recorrido literario que la está convirtiendo en escritora universal con un componente africano muy destacado.

 

AMERICANAH

 

La crítica estadounidense la ha encumbró definitivamente como una de las voces más interesantes en lengua inglesa gracias a “Americanah” al otorgarle el Premio Nacional de la Crítica. Una narración en la que explora su cruzada contra la historia única en una deriva que se desarrolla en tres continentes.

 

Antes de esta obra escribió: La flor púrpura (tres novelas y un libro de relatos escritos en inglés); Medio sol amarillo; Algo alrededor de tu cuello (relatos son de nigerianos en los Estados Unidos).

 

MEDIO SOL AMARILLO

 

Chimamanda vive en USA, pero es Nigeriana de nacimiento, de tradición Igbo (una de las etnias mayoritarias –que no representativas- del pais).

 

Esta obra: “Medio sol amarillo”, título tomado del escudo que se eligió en su momento para el proyecto de independencia de la región de Biafra, de mayoría Igbo, se desarrolla en los años previos a la guerra por la independencia de esa región de Nigeria que finalmente se perdió dando lugar a una catástrofe humanitaria.

 

A lo largo de las paginas “recrea la vida de tres personajes atrapados en las turbulencias de la década: el joven Ugwu, empleado de la casa de un profesor universitario de ideas revolucionarias; Olanna, la hermosa mujer del profesor, que por amor ha abandonado su privilegiada vida en Lagos para residir en una polvorienta ciudad, y Richard, un joven y tímido inglés que está enamorado de la hermana de Olanna, una mujer misteriosa que renuncia a comprometerse con nadie. A medida que las tropas nigerianas avanzan, los protagonistas de esta historia deben defender sus creencias y reafirmar sus lealtades”.

 

Aunque incluso J.M. Coetzee la considera una novela extraordinaria, yo debo decir que si bien todo lo que antecede hace prometedora la lectura de Chimamanda, mi experiencia es que es un texto flojo sin una deriva clara hasta bien entrada la segunda mitad del libro que proporciona algo de interés a los que, como yo, estudiamos sin cesar todas las versiones posibles de la historia contemporánea de África.

 

Es posible que gran parte de culpa de que la historia no tenga la sustancia esperada sea de la traducción aunque esto no sea suficiente para calificar de floja esta obra.

 

He leído sus panfletos feministas y prometo leer, al menos Americanah, y cuando eso ocurra prometo hacerlos despojado de expectativa.

 

Lo dicho no quita el reconocimiento que merece todo aquel o aquella que se lance a la noble tarea de escribir un libro.

 

Chimamanda regresa todos los veranos a Lagos para dictar talleres de escritura en la sede del Fondo Farafina, que creó con su editor nigeriano para impulsar la lectura y la escritura.

 

 

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Arte,Ciudad y países

FESTIVAL DE CINE AFRICANO 2021

29 Abr , 2021  

Esta edición, la decimoctava, se celebrará del 28 de mayo al 6 de junio y sus actividades se desarrollarán, como sucede desde 2016 entre Tarifa y Tanger.

 

FCAT, Festival de Cine Africano, está organizado por la asociación sin ánimo sin lucro Al Tarab y centra sus esfuerzos en la promoción y divulgación de las cinematografías del continente africano y de la diáspora en España y América Latina,

 

la 18 edición del Festival de Cine Africano de Tarifa-Tánger (FCAT), que se celebrará del 28 de mayo al 6 de junio de forma híbrida, presencial en Tarifa, con Espacio Escuela en Marruecos y España, películas en Filmin, además de varios eventos virtuales.

 

La filosofía del festival es para Mane Cisneros, directora del mismo, la de estar a caballo entre dos países, dos continentes, distintas lenguas y entre varias tradiciones culturales, de nuevo adaptados con toda la seguridad a la realidad en la que nos hallamos.

 

CINE ESPAÑOL QUE MIRA A AFRICA

 

Entre las actividades de este año, el festival pondrá su foco de reflexión hacia la mirada a África que el cine español comienza a realizar y que este año se ha visto reflejada en las listas de nominados y galardonados por la Academia de cine española. Una mesa de diálogo dentro del foro El Árbol de las palabras y que será  retransmitida en streaming, El cine español suma diversidad: una mirada (por fin) a África reunirá a cineastas y periodistas en torno a preguntas tales como ¿A qué responde este cambio en el cine español de hoy? ¿Qué imagen de lo africano se está difundiendo en estas nuevas producciones? ¿Se puede hablar de una nueva relación entre España y África a través del cine?

 

 

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MARIANO FORTUNY Y EL MOVIMIENTO ORIENTALISTA ESPAÑOL

23 Abr , 2021  

MARIANO FORTUNY Y EL MOVIMIENTO ORIENTALISTA ESPAÑOL

 

Es considerado uno de los pintores españoles más importantes del siglo XIX.

 

En 1860 estalló la Primera Guerra de Marruecos, y la Diputación de Barcelona le encargó que viajara a este país en compañía de Pedro Antonio de Alarcón con el fin de convertirse en cronista gráfico de la contienda. Experiencia que supondría un descubrimiento para Fortuny, deslumbrado por la luz norteafricana y encandilado por los paisajes y habitantes de Marruecos.

 

Como consecuencia esa estancia, Fortuny pintó algunas de las obras más significativas de su producción, como La batalla de Tetuán, Paisaje Norteafricano, o La odalisca.

 

En aquellos momentos se liberó de los  academicismos aprendidos en Roma y sintiéndose atraído definitivamente por el pintoresquismo árabe y el orientalismo.

 

EL DEVENIR DE LOS MOVIMENTOS ARTISITICOS HASTA EL ORIENTALISMO

 

El clasicismo rompió con el barroco para introducir en el arte más racionalidad y sobriedad. Este evoluciona en romanticismo, para introducir un individualismo, libertad y sentimentalismo que la falta al clasicismo. Este evoluciona en orientalismo para inspirarse en la naturaleza y en escenas ambientadas en el sur de España y el norte de África (llamadas entonces, “estampas orientales”).

 

A partir de entonces se acentuaron, tanto en los paisajes como en los interiores, los aspectos exóticos y sensuales, fantásticos ropajes, cuerpos voluptuosos, poses seductoras, etc.

 

Aunque también Josep Tapiró, Mariano Bertuchi  y otros pocos, en España el principal ejemplo fue Mariano Fortuny.

 

En Europa, los pintores orientalistas más conocidos fueron Ingres, Delacroix, Fromentin y Jean-Léon Gérôme quien fundó en 1893 la Société des Peintres Orientalistes («Sociedad de Pintores orientalistas»)

 

LA SAGA GRANADINA DE FORTUNY

 

Una vez concluida la guerra de Marruecos, Fortuny se casa con Cecilia, hija del pintor Federico de Madrazo, y pasan una breve estancia en Roma. En 1868 (aunque nació en Reus ) se instalan en Granada definitivamente.

 

Su hijo Mariano Fortuny y Madrazo fue un notable pintor, escenógrafo y diseñador. (Y este también es un gran artista del que necesariamente habrá que dar cuenta en este blog).

 

El imaginario orientalista persistió en el arte hasta principios del siglo XX, como evidencia, por ejemplo, en la obra de Matisse.

 

 

 

 

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NAWAL EL SAADAWI

9 Abr , 2021  

La intelectual egipcia Nawal El Saadawi, una de las feministas más importantes de nuestros tiempos, y eterna candidata al Nobel de Literatura, falleció el pasado 21 de marzo de 2021 de modo que es un momento oportuno de repasar su trayectoria.

 

En su obra predomina la denuncia de la situación de las mujeres en el mundo árabe y musulmán denunciando la discriminación y la violencia que se ejerce contra las mujeres en ámbitos como la política, la cultura, la sexualidad, o la religión.

 

También ha sido muy combativa contra el uso del velo o la práctica de la ablación, etc.

lo que la llevó a perder su trabajo como Directora General de Salud Pública del gobierno egipcio.

En su libro “La hija de Isis” ella misma cuenta que cuando tenía 6 años la comadrona le mutilo el  clítoris diciéndole que era la voluntad de Dios y que se había cumplido su deseo.

 

NACIMIENTO DE UNA ACTIVISTA

 

Sadaawi se licenció medicina en la Universidad de El Cairo en 1955 y se especializó en psiquiatría. Sus primeros años como médica atendió a los pacientes de su pueblo natal, donde adquirió un compromiso crítico al observar las dificultades y desigualdades a las que se enfrentaban las mujeres rurales.

 

De 1966 a 1972 Saadawi ocupó el puesto de directora general en el Departamento de Educación Sanitaria en el Ministerio de Sanidad de Egipto, pero La muerte de Nasser en  1970, y el nuevo mandato de su sucesor Anwar el-Sadat, significó un cambio en su situación (su obra Women and Sex fue censurada fue despedida y pasó a la lista negra. Para evitar la censura egipcia, empezó a publicar en el Líbano​ y en 1972 terminó por exiliarse).

Entre 1977 y 1987, Saadawi fundó la Asociación Africana para la Investigación y el Desarrollo de las Mujeres, de la cual fue también vicepresidenta durante diez años. ​ Además, de 1978 a 1980 fue nombrada consejera del programa de las Naciones Unidas para las mujeres de África (CEP) y de Oriente Medio (CEPA) trasladando su residencia a Addis Abeba​ y realizando continuos viajes a otros países africanos.

 

Sin embargo, la escritora empezó a cambiar su opinión acerca de la organización por lo que dimitió del cargo​ y regresó a Egipto con la intención de volcarse en su trabajo de escritora. En su libro Memoria de la Cárcel de Mujeres dijo al respecto: “La organización de las Naciones Unidas no es distinta del aparato estatal, y que los expertos que trabajan para las Naciones Unidas están tan preocupados por su sueldo mensual como los funcionarios públicos. Es más, las Naciones Unidas están dirigidas por hombres de las clases altas y las naciones ricas del Primer Mundo, y las mujeres del Tercer Mundo son relegadas a los escalones jerárquicos inferiores”.

 

En septiembre de 1981 fue encarcelada junto con otros egipcios opuestos a la firma de los Acuerdos de Paz de Camp-David entre Egipto e Israel y su liberación no se produjo hasta dos meses después, tras la muerte de Anwar el-Sadat. Tras esta experiencia en la cárcel, Nawal  fundó y presidió la AWSA (Asociación Solidaria de Mujeres Árabes), organización de carácter internacional que tenía por objetivo apoyar la participación activa de las mujeres árabes y musulmanas en la sociedad, en todos los ámbitos. Fue clausurada por el régimen egipcio en 1991, así como también la revista Noon.

 

En 1983, fue cofundadora de la Asociación Árabe para los Derechos Humanos​ y en 1985 representó a los países africanos en la conferencia de Nairobi organizada por las Naciones Unidas Mientras crecía su popularidad, aumentaba también la presión y la censura.

 

En 1993, ante las amenazas de muerte, se exilió a los Estados Unidos y tres años después regresó a Egipto desde donde continuó su activismo en favor de los derechos de las mujeres. En 2005 presentó su candidatura a la Presidencia de Egipto estimando que, solo por el hecho del debate suscitado por su candidatura, ya se producía un avance. En 2011 durante las llamadas «revoluciones árabes» participó en las manifestaciones de la Plaza Tahrir

 

«No se puede ser feminista y aprobar el uso del velo”: EL FEMINISMO  DESDE LA ÒPTICA ARABE

 

Para Nawal El Saadawi vivimos en un único mundo dominado por un triple poder capitalista, patriarcal y religioso. Las religiones monoteístas en particular son represivas dominan el mundo, son un sistema machista, racista, militar y fanático que oprime particularmente a las mujeres y a los pobres.

 

Explica que el velo empezó con el judaísmo y el cristianismo. Es el castigo a Eva por haber comido del árbol de la ciencia, por acceder al conocimiento.

 

En el cristianismo, cuanto más devota era una mujer, más se cubría. El islam lo heredó.

 

El velo convierte a las mujeres en cuerpos sin cabeza. “No se puede ser feminista y aprobar el uso del velo. Ahí no hay libertad de elección, admitirlo es aceptar la esclavitud”.

 

“Muchas mujeres Creen que ser feminista es odiar a los hombres. Y nada de eso: yo amo a los hombres progresistas. Y a las mujeres progresistas. No me gustan las que para mandar se vuelven patriarcales, y la mayoría de las que llegan a ministras o consiguen presidir algo lo hacen. Ese tipo de persona no ayuda a las mujeres. Las perjudica. Por eso las mujeres poderosas para mí son las que luchan contra la desigualdad en su propia familia, en sus trabajos y en su vida cotidiana. Eso es lo que cambia las cosas”

 

 

 

 

 

 

 

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TADELAKT, CERÁMICA PROFUNDA

2 Abr , 2021  

El tadelakt es un elegante revestimiento de cal típico de Marrakech que se caracteriza por su color brillante y por su impermeabilidad.

 

Su acabado es único y se consigue por frotación con un canto rodado y jabón de aceite de oliva.

 

Más allá de su belleza y elegancia, el tadelakt es un símbolo de la cultura aristocrática del norte de África que gracias al desarrollo de la investigación se ha extendido gracias a su espíritu tradicional y cálido y por sus muchos colores y su versatilidad en distintos estilos

 

Puede ser utilizado tanto en interiores (especialmente en baños y suelos un confort térmico que regula tanto la temperatura como la humedad y tiene propiedades fungicidas que limitan el desarrollo de hongos) como en exteriores y ha inspirado nuevos materiales de construcción como el micro-cemento.

 

Esta antigua técnica también se usa para hacer vasijas de cerámica marroquíes.

 

 

 

 

 

 

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RUMI Y LA ORDEN MEHVLEVI

19 Mar , 2021  

No me resisto a insistir en la grandeza de un escritor al que le ha llevado varios siglos ser reconocido en el mundo islámico como un líder espiritual. Se trata de Elaledin Rumi Mevlana

 

Rumi nació el 30 de septiembre de 1207 en la ciudad de Balj, localizada actualmente en Afganistán. Por distintas razones la familia tuvo que emigrar. Durante años vivió en distintas ciudades (Bagdag, Meca, Damasco) hasta que finalmente se estableció en Konya, Turquía hasta su muerte en el año 1273.

 

Aunque el padre ya era considerado en su tiempo un hombre muy culto, a la muerte de aquel Rumi fue denominado ‘mevlana’: “maestro de maestros”.

 

Su encuentro con Semsi Tebrizi, un opositor al orden moral del momento, le convirtió en una especie de alter ego siendo Tebrizi para Rumi algo así lo que Sócrates a Platón.

 

Su obra, escrita en persa, sigue viva hasta nuestros días gracias a la Escuela Mevlevi de derviches.

 

“HAY UNA FUENTE DENTRO DE TI. NO CAMINES CON UN CUBO VACIO”

 

Rumi expone una filosofía de la moderación, del camino interior, del cuestionamiento permanente de todo lo establecido (razón por la que ha sido tan prohibido en el  mundo islámico a lo largo de los años).

 

Para él todos poseemos todo tipo de cualidades innatas y depende de nosotros ser conscientes de ellas, descubrirlas y usarlas para dedicarnos en la vida a aquello que más nos atraiga y que nos realice como individuos, sin dejarnos llevar, como solemos hacer, por las opiniones de los demás.

 

Aun hoy estas no son ideas simples, pero en el siglo XIII eran verdaderamente revolucionarias.

 

“Hay una canasta de pan fresco en tu cabeza y aun así vas de puerta en puerta pidiendo cortezas”

 

Quizás te interesen también algunas de las entradas que hemos dedicado con anterioridad a la tradición sufí y los derviches:

 

El sufismo y los derviches giróvagos

Los tres mejores espectáculos de derviches de Estambul

Derviches sufíes

 

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ARTES MAYORES Y MENORES. EUROPA Y ÁFRICA FRENTE A FRENTE

5 Mar , 2021  

En la inútil comparativa (desviada del foco real de la cuestión) con la que siempre lidiamos quienes estudiamos el exotismo en el arte y la decoración, hay un aspecto que sale a relucir con cierta frecuencia en la literatura especializada: artes mayores y artes menores.

 

*(Por suerte sale a relucir cada vez con menos regularidad).

 

La comparativa no deja de mostrar más que sometemos todo a exámenes y con estos dejamos en evidencia los valores artísticos sobre los que se ha asentado el arte en Europa y occidente.

 

Las precisiones que siguen la tortuosa relación histórica entre las denominadas artes mayores y menores son solo una mínima parte de un compendio de saberes que muestran la diferente mentalidad artística de Europa y África y que permiten superar antagonismos estériles y colocar un mundo y otro en el universo que a cada uno le corresponde.

 

Parece que la diferencia entre una y otra es el contacto físico y material con ellas. Mientras la pintura y la escultura no requieren contacto físico y bastaría tan solo el deleite de la observación intelectual, otras artes (a las que la historia ha puesto por nombre: menores) sí requieren un contacto físico y material. La decoración seria arte menor en la medida en que es vivida en contacto directo y permanente.

 

Una clasificación que implica, erróneamente en mi opinión, arte de primera y segunda división. Arte divino y arte mundano, alto y bajo…

 

De hecho, y con el ejemplo puede percibirse el abismo entre Europa y África, el arte mayor en esta última sí ha requerido el contacto físico con la obra ya que jamás se produjeron para el deleite visual solamente, sino que implicaban también una finalidad (como la escultura por ejemplo, cuya finalidad es ritual en muchos casos).

 

Contrariamente, la pintura no es un arte muy representativo de las manifestaciones tradicionales de África. La cestería y orfebrería son también otras artes menores que han tenido predicamento en África. La arquitectura sería otro arte menor en esta relación de definiciones.

 

Esto muestra igualmente la distancia cultural existente entre África y Europa por lo que los parámetros que pueden servirnos aquí para clasificar como bueno o malo, bonito o feo, no son válidos en África.

 

 

 

 

 

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MARIANO BERTUCHI, EL PINTOR DEL PROTECTORADO

26 Feb , 2021  

Un pintor granadino, Mariano Bertuchi, fue el responsable de fijar la imagen de Marruecos en España a partir de mediados del siglo XX. Se le considera el pintor por antonomasia del protectorado, así como

 

Además de pintor, fue también funcionario con amplias responsabilidades en la gestión cultural dentro de la administración colonial española en Marruecos. Su labor como funcionario colonial fue trascendental en las labores culturales del Marruecos español.

 

Visitó el norte de África por primera vez en las navidades de 1898. En 1902 regresó al norte de África. En 1908 se trasladó a Melilla donde siguió cultivando los temas marroquíes. En 1918 Bertuchi y su familia decidieron trasladarse a Ceuta, una ciudad en plena expansión, que se había convertido en la puerta de entrada al recién creado  protectorado, al que viajó frecuentemente. Acompañado de su esposa, se estableció definitivamente en Tetuán, en 1930 donde permanecería hasta su muerte en junio de 1955.

 

Descendía de una familia originaria de Malta, emigrada a Granada después de la invasión napoleónica de finales del siglo XVIII, pero la parte más relevante de su carrera la desarrolló en el protectorado español en Marruecos.

 

Tras la guerra civil española, se exilió en Francia. Tras repatriarse, fue juzgado dos veces en consejo de guerra y encarcelado. Ello no impidió que la obra de Bertuchi fuese utilizada profusamente por la propaganda franquista para difundir la labor de España en su protectorado sobre el norte de Marruecos.

 

Como artista, elaboró la práctica totalidad de los diseños de los sellos del Correo Español en Marruecos, hasta la independencia del país. Durante toda su estancia en Tetuán, su producción artística sería variada y abundante. Fue también responsable de la mayor parte de la cartelería turística del Marruecos español, trabajando para el Comité Oficial de Turismo de Marruecos. Al frente de los Servicios de Bellas Artes impulsó la adquisición de objetos de interés artesanal y etnográfico de los pueblos del norte de Marruecos que merecieran ser expuestos al público de manera permanente. La gran cantidad de piezas acumulada hizo que fuese necesario disponer de un espacio para su catalogación y exhibición, por lo que Bertuchi estableció el Museo de Arte Indígena y Hogar Musulmán en Tetuán (en la actualidad es el Museo Etnográfico de Tetuán).

 

Bertuchi se inserta en la línea de pintores españoles iniciada por Mariano Fortuny y seguida después por José Tapiró y Baró que se alejó de los tópicos del orientalismo. Es el pintor de la vida cotidiana del Marruecos colonial español, plasmando ese discurrir vital que desfila ante sus ojos, sin ningún prurito de exotismo o etnográfico.

 

 

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LA CULTURA ZULÚ CONTADA A TRAVÉS DE CUENTAS DE COLORES

19 Feb , 2021  

‘Speaking with beads’ es un libro de Jean Morris y Eleanor Preston-Whyte (editado hace unos 25 años) que llegó a mis manos recientemente aunque había estado en mi lista de deseos de Amazon aguardando un montón de años.

 

Se trata de un documento fotográfico y antropológico de la rica ornamentación basada en las pequeñas cuentas de plástico que numerosas poblaciones del sur de África usan para expresar su propia identidad.

 

Su título es, no obstante, mucho más trascedente ya que me lleva a pensar en la verdadera importancia que las cuentas tienen para la identidad africana. Cuentas de todo tipo, no solo de plástico. Pensemos en cauris por lo pronto, así como cuentas de metal de los akan, de cristal de los Ashanti, etc.

 

Antiguamente las cuentas se hacían de barro, madera, conchas, dientes de animales… y se combinaban sobre las pieles de animales durante las ceremonias y rituales. Eran símbolo de distinción.  Aunque su valor no era solo político sino también económico (durante mucho tiempo se pagaba con cuentas a chamanes y doctores, dotes de boda, etc.)

 

A finales del siglo  empezaron a llevarse cuentas desde Europa. De cristal, de metal y  de plástico. La aristocracia zulú empezó a usarlas por aquel entonces y fue extendiéndose a toda la sociedad. Relatan que el rey Dingaan, sucesor de Shaka, residía en un edificio cuyos postes estaban recubiertos de cuentas.

 

Las mujeres en particular iniciaron toda una rica ‘joyería’ propia que llevarían después a la ornamentación de sus prendas. Los dibujos de los exploradores del xviii y xix evidencian que el uso de las cuentas en la indumentaria zulú estaba muy extendida.

 

Dada su demanda las cuentas de platico de colores empezaron a  producirse en Sudáfrica con la consecuente bajada de precio

 

EL PRESENTE DE LAS CUENTAS

 

Con el paso del tiempo el uso de cuentas forma parte intrínseca del imaginario zulú aunque como es de imaginar su uso en las ciudades está muy reducido. En pueblos es más visible aunque tampoco es una indumentaria de uso habitual. Se ha trasladado a cofradías o agrupaciones que lo reivindican con parte de la cultura zulú y aprovechan para identificar subgrupos. Especialmente en grupos cristianos (y lo que ello conlleva de aceptación de la cultura occidental).

 

El trabajo de confeccionar con cuentas es de las mujeres (bien de forma individual o colectiva) y de ambas maneras se expresan numerosas cosas como grupos y subgrupos a los que se pertenece, estado civil, etc. Los hombres son más recatados y el uso de cuentas entre estos no es tan significativo como en las mujeres, sin embargo llevar hoy cualquier elemento con cuentas significa tener presente la cultura tradicional.

 

 

 

 

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IMANE AYISSI

12 Feb , 2021  

Debo reconocer que, a pesar del interés que siempre muestro por los diseñadores de moda africanos (algunos de ellos ya han aparecido en este blog así como otros diseñadores occidentales con un toque afro), no conocía a Imane Ayissi hasta que por ventura de las RRSS me topé con su obra y biografía. Obra y biografía que por supuesto he ido investigando con interés.

 

Claro, que podría haberle dedicado esta entrada al Imane Ayissi, actor, modelo, bailarín… Aunque parece ser que en su trabajo como modisto ha alcanzado grandes éxitos de entre todas estas actividades.

 

Fue miembro del Ballet Nacional de Camerún y realizó giras con cantantes y coreógrafos, como Patrick Dupont y otros cantantes y coreógrafos lo que le llevó a recorrer los cuatro rincones del mundo.

 

Cuando se trasladó a Francia en la década de 1990 trabajó como modelo presentando las colecciones masculinas de marcas Cardin, Dior, Lanvin, Givenchy, Yves Saint-Laurent y Valentino.

 

También ha sido objeto de reportajes de moda, campañas publicitarias y proyectos artísticos en sesiones de moda de famosos fotógrafos.

 

AYISSI, DISEÑADOR DE MODA

 

Fundó su propia marca en 2004 y es el primer diseñador africano que presenta sus diseños en la pasarela de la alta costura de París (sólo otros dos diseñadores africanos han desfilado en esta pasarela: Alphadi (Nigeria) en 2004 y Noureddine Amir (Marruecos) en 2018). Es miembro invitado de la Chambre Syndicale de la Haute Couture.

 

Las prendas de las líneas «Couture» y prêt-à-porter de Imane Ayissi fusionan las tradiciones y realidades africanas con la moda occidental. Sus influencias son Cristóbal Balenciaga, Yves Saint Laurent o Azzedine Alaïa.

 

Ayissi muestra a través de sus colecciones su versión compleja, moderna y sofisticada de África y enseña lo diversas y compleja que son las culturas africanas.

 

Sus colecciones, a menudo con nombres exóticos y evocadores (Voodoo Mood, Idoutt…) combinan la artesanía, los materiales y las inspiraciones artísticas tradicionales africanas con el uso de tejidos innovadores. A menudo también hay una infusión de trabajo de bricolaje o reciclaje típicamente africano con referencias a la Alta Costura y a la creatividad contemporánea para crear una moda dirigida a un público internacional.

 

Sus prendas que le dan una vuelta de tuerca a los tejidos más tradicionales como el Kente de Ghana, la rafia de Madagascar en las orillas de vestidos estilo caftán; obom (tela hecha con la corteza de los árboles) convertida en adornos florales; chaquetas de bògòlanfini (una tela de Mali teñida con barro fermentado) y ndop (un tejido resistente teñido con índigo, de Camerún).

 

Colabora habitualmente con otras marcas de lujo (creó una línea de vestidos para la presentación de la colección de joyas y accesorios Swarovski en el Carousel de Louvre de París en 2004), pero también con marcas más accesibles como Multiples (una marca francesa de pret-à-porter que vende a precios asequibles) o La Redoute.

 

ESPIRITU RENACENTISTA

 

Este espíritu renacentista se debe en gran medida a su familia de artistas y deportistas: su padre Jean-Baptiste Ayissi Ntsama fue campeón de boxeo y su madre Julienne Honorine Eyenga Ayissi, la primera mujer coronada Miss Camerún tras la independencia del país. Sus hermanos también son bailarines y cantantes.

 

Se interesó por la moda cuando era niño en Camerún (allí hizo sus primeras prendas para su madre y posteriormente para uno de los mayores ateliers del país).

 

Imane Ayissi también participa en proyectos de formación en el ámbito de la moda y en la creación de una industria textil destinada a favorecer el crecimiento económico de África y, en particular, de Camerún.

 

 

 

 

 

 

 

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